Proyecto Gallo-Ramlag. Arte visual y sonoro.

La ideología que promovió la formación de este proyecto, es una común inconformidad de una sociedad superficial generada por el capitalismo antiético, cuyo principal lema en el tema del arte es “consume lo que te doy y te vendo, mas que “crea, siente y piensa lo que eres”.

-Ramlag

Aquí les tenemos una primicia, muestra del talento que se gesta en México. Gallo-Ramlag es un proyecto de música y video experimental muy original que incursiona en ambientaciones drone y el avant garde. 

Entrevista a Galmar Nuñez, Artista sonoro integrante del proyecto emergente de arte audiovisual Gallo-Ramlag.

¿Cómo comienza tu interés por el arte sonoro?

Fue al inicio sólo una cuestión de curiosidad y experimentación con sonidos. En mis inicios en música rock y como guitarrista con los múltiples pedales de efectos que usaba me di cuenta de la diversidad de matices que se podían realizar sobre todo cuando se les daba un uso poco convencional, incluso me empezaron a agradar las sensaciones sonoras que provocan esos matices “raros” más que aquellos que componía como música rock (con todo respeto a la música convencional pues la sigo componiendo también). Sin embargo fue cuando me retire un poco de tocar con diversas agrupaciones de rock, que tuve tiempo para componer música que poco a poco iría tomando forma de arte sonoro.

¿Cuáles son tus influencias tanto artísticas como personales?

Bueno, si te refieres a la parte como Arte Sonoro y música Noise que a veces compongo, lo que he escuchado de músicos nacionales e internacionales que se han presentado en festivales como el Aural o conciertos que coordina Volta y  ruido horrible, me ha influido determinantemente. También músicos en su parte de improvisación libre como Remi Álvarez y Germán Bringas influyen en mi percepción musical, sobre todo cuando los escucho en vivo, siempre es un placer y una gratificante experiencia. Por otro lado, hablando un poco de influencias para mis demás proyectos que salen del tipo de Arte Sonoro, la lista va de músicos desde el new age, fusión, rock progresivo, metal y jazz, por mencionar algunos: Mike Oldfield, Lisa Gerrard, Brad Mehldau, Pat Metheny, Mike Stern, Helloween y Vangelis.

¿Qué trabajos artísticos te encuentras desarrollando en este momento?

Básicamente tres, el proyecto Ramlag, el proyecto Ramlag-Venkisen y el proyecto Gallo-Ramlag.

¿Hace cuánto comenzaste a desarrollar tu proyecto creativo Ramlag? ¿de que trata?

Lo empecé a desarrollar desde el año 2007, pero como iba de forma paralela a la banda de rock que en ese entonces tocaba, el desarrollo era muy lento. Trata básicamente de guitarra eléctrica y piano electrónico instrumental tipo ambient rock, rock fusión y otros géneros musicales y desde 2014 lo he empezado a tocar en vivo  con improvisaciones basados en los temas.

¿El Proyecto Gallo–Ramlag cuándo comienza?, ¿quiénes lo integran? y ¿cómo lo crean?

El proyecto Gallo–Ramlag inicia en Noviembre del 2015, lo integramos Miguel Calvo (alias Gallo) en la parte de experimentaciones visuales, y yo en la parte de experimentaciones sonoras. El proceso de creación es simple, hago la música experimental y luego Miguel la interpreta en imágenes. En la obra titulada Espejismos Sonoros, para la parte de la música usé un fondo de una obra de Keith Fullerton (con su autorización por supuesto),  y de ser una base un tanto relajada se volvió todo un caos de tensión al incorporar mi parte de guitarra eléctrica. En esa composición usé pedales de distorsión, de delay y de feedback principalmente.

¿Cómo describes este proyecto?, ¿cómo concibes su ideología? y ¿cuál es su objetivo?

Lo describo como un proyecto dirigido a generar mucho movimiento tanto en imágenes y música para que su percepción sea acelerada y contienen muchos picos de tensión y de relajación que a mí en lo personal me deja siempre experiencias peculiares, es arte abstracto al extremo en dinámicas. La ideología que promovió la formación de este proyecto entre Miguel y yo, es una común inconformidad de una sociedad superficial generada por el capitalismo antiético, cuyo principal lema en el tema del arte es “consume  lo que te doy y te vendo, mas que “crea, siente y piensa lo que eres”. Que si con las obras lograremos mostrar esa faceta, aún no lo sé, lo veo difícil, tal vez sólo con discursos en cada presentación.

El objetivo por lo pronto es motivar con estas creaciones nuestro desarrollo en las experimentaciones sonoras y visuales, y fomentar a que las personas ajenas a la creación artística se sumen a crear y no solo a consumir, ¿de dónde se pueden tomar herramientas para crear?, es solo cuestión de iniciativa, imaginación y desbloqueos.

¿Qué piensas sobre la escena actual de música y arte contemporáneo independiente en la región?

Pienso que actualmente hay muy buenas e interesantes propuestas, más que en otros años. Hay muchas personas creativas en México, de por sí el mexicano tiene una imaginación forzada por simple supervivencia y por fortuna es una imaginación muy extraña e ideal para crear arte contemporáneo en sus diversas formas, ya sea dentro del campo musical como de cualquier otra disciplina. Este arte por supuesto si se realiza de forma autogestiva e independiente, sin depender económicamente de instancias del gobierno, cobra mayor importancia, desde que no están limitadas por alguna censura si es que un tercero la creyera conveniente, además pueden llegar a formar micro-resistencias culturales (muy necesarias en cualquier país).

¿Sobre qué tratan los Encuentros en el Jardín de Diógenes?

Estos eventos tienen principalmente dos vertientes, la primera es la organización de mesas redondas donde se convoca a participar a músicos de diferentes géneros o comunidades musicales que llevan ya algunos años de experiencia para compartir ideas, problemas, tendencias, entre otras cosas y así generar retroalimentaciones (todas estas mesas redondas las pueden encontrar en Youtube). La otra vertiente que es muy diferente, son eventos que organizo con algunos amigos de diferentes rubros, amigos del área de las humanidades (filosofía y sociología principalmente) y amigos músicos de diferentes géneros musicales (jazz, rock, música experimental) en estos eventos siempre hay una conferencia de humanidades y música en vivo al inicio y al final de ella.

Vimos un perrito blanco haciendo entrevistas, ¿podrías platicarnos quién es?, ¿a quiénes ha entrevistado y en general sobre ese proyecto?

¡Ah!, es un perro títere que se llama Venkisen y es un amigo que conocí hace años que se dedica en sus tiempos libres a realizar pequeñas entrevistas a músicos de diversos géneros musicales y a personas del campo de las humanidades  por el simple gusto de compartir sus ideas. Ha entrevistado a Víctor Sánchez, músico de Reactable; a Cutberto Enríquez, arqueólogo experto en temas de Chamanismo y muchas otras cosas; y a Jerry Enciso, músico de Funk-rock y locutor de un programa de radio internet, por mencionar algunos. Por cierto, con Venkisen tengo el proyecto Ramlag-Venkisen donde hacemos composiciones que tienen algunos elementos de Noise, lo formamos simplemente por el gusto de compartir sesiones de música. Venkisen todavía no ha tenido participaciones en vivo, pero espero a finales de este año se anime.

¿Qué música y arte nos recomendarías? y ¿hay algo más que te gustaría agregar?

Sobre música, recomiendo escuchar músicos de improvisación libre en vivo. De arte les recomiendo el que se presenta en eventos autogestivos para así impulsar que éstos se generen cada vez más. Y bueno, vuelvo a agregar, recomiendo a todas las personas busquen hacer arte más que solo consumirlo, eso expandirá su creatividad que puede derivar en otros horizontes muy factibles y constructivos sobre todo en el campo social y que se necesitan cada vez más.


Entrevista a Miguel Calvo (Gallo Mike), artista visual dentro del Proyecto Gallo-Ramlag.

¿Qué haces? ¿Cuál es tu especialidad musical?

Hola que tal, mi nombre es Miguel Calvo alias “El Gallo”, soy comunicólogo y me especializo en video y en audio, así como músico, soy baterista. Actualmente participo en un proyecto de experimentación visual y sonora que llevan por nombre “Proyecto Gallo-Ramlag”. Pues especializarme no lo se, pero si escucho rock, el rock es mi forma de vida.

¿Trabajas individualmente o en grupo? Si es así, ¿quiénes son los demás?

 Me gusta mas trabajar independiente, para el “Proyecto Gallo-Ramlag, solo trabajamos dos personas, yo me encargo de hacer toda la parte visual y Ramlag crea toda la parte sonora.

¿Alguna dirección de internet donde podamos oir, ver o leer algo sobre tu trabajo?

Tengo un canal de Youtube donde podrán encontrar gran parte de mi trabajo de comerciales para empresas, documentales sobre eventos culturales, promocionales, programas de tv , video clips y video arte.

¿Cómo empezaste a hacer música? ¿Quién te introdujo?

Empecé a los 10 años a introducirme en la música por mi padre que también era músico, en mi casa siempre hay música de todo tipo. Mi padre fue el que tuvo que ver demasiado al iniciarme en la música y darme un panorama distinto de ella. Cuando toqué con mi primer grupo de rock (que precisamente me invitó Galmar), se dio la cuestión de hacer música original, de ahí pase por varios grupos donde solo hacíamos material propio.

Al conocer un genero denominado dub, el cual tocaba con una banda, me empezó a llamar la atención la cuestión de hacer efectos y manipular los audios, utilizar samplers etc. Incluso en el grupo hacia percusión y utilizaba samplers, delays, etc. Mas adelante me empecé a interesar por el noise y hacer algunos materiales en lo que se utilizaban frecuencias, distorsión y desfase.

¿Cómo es tu proceso creativo?

No tengo un método especifico para mi proceso creativo. Precisamente se trata de eso no tener un proceso. Más bien reflexiono lo que pasa en mi mente, lo que pienso y cómo veo el mundo. Trato de ver siempre las cosas fuera de lo normal, caer en una rutina cotidiana te hace ser muy lineal en todo, a pesar de que soy así trato de que mi mente y ojos entiendan el mundo desde otra perspectiva fuera de lo normal.

No me gusta seguir ningún patrón, a lo mejor si tengo clara una idea, pero me gusta a experimentar y captar lo que sucede en el momento. La creatividad se dan exactamente en el momento justo cuando algo te llama la atención, algo que te atrae y te envuelve.

¿Cómo fuiste descubriendo tu territorio creativo? ¿Cómo lo describirías?

Lo fui descubriendo cuando en la escuela empecé a tener trabajo de tipo audiovisual. Recuerdo que fue en preparatoria, a un amigo y a mí nos dejaron hacer un video que tenia que describirnos de una manera que impactara. En eso momento nos centramos en hacer un material con archivos de cosas que causaran miedo, más que hablar de nosotros queríamos hacer algo que los dejara sorprendidos. Cuando presentamos el video todo mundo se quedo boquiabierto porque les impactaron la imágenes, además no esperaban ver un material de ese tipo, todos los materiales realizados era de cosas lindas que ocurrían en sus vidas o que les gustaba hacer, realmente eran aburridos y tontos. En ese momento entendí que el manejo de la imágenes con un audio específico podrían ocasionar caos o una especie de trance, algo que rompe precisamente sus vidas monótonas.

Hago casi de todo tipo de video. Pero en especial me gusta mucho el video arte o video experimental, es un medio precisamente donde puedo expresarme claramente, es una vía para ocasionar un sentimiento. Pero a la vez un caos, las imágenes distorsionadas con efectos ocasionan una brecha entre quienes lo ven y eso me agrada. La mayoría de las cosas las realizo por gusto propio, no pretendo que me entiendan o no los demás, pero sí ocasionar ese shock en sus vidas aunque sea por una instante. El proceso lo describo como caos, movimiento, rechazo a la razón.

¿Qué músicos o grupos han sido inspiradores en tu carrera?

De influencias por parte de noise no tengo y prefiero no tener ningún referente, grabo y manipulo los sonidos que me atraen y que me gustan.

En cuanto a los músicos que me influyen me inclino más hacia aquellos que tienen una gran labor ante un hecho fatal en sus vidas. Me refiero a aquellos músicos que han sufrido accidentes y a pesar de ese hecho siguen adelante y realizan cosas estupendas. Un ejemplo seria Tony Iommi de Black Sabbath y Rick Allen Baterista de Def Leppard. No me imaginaria si me pasara algo igual en la música.

Cabe mencionar que no soy participe de los músicos de escuela, ya que yo no fui a la escuela de música, cuando tienes talento para la música lo tienes, si no, por más que lo intentes no se va a dar. Además de entender la conexión que existe entre la música y el ser humano, esa conexión no es muy fácil que se de, una cosa es que escuches música como lo hace la mayoría y otra cosa es que se haga esa conexión.

¿Qué clase de música detestas?

Detesto la música de banda o música norteña o todo lo que engloba ese género, es el único género que me estresa, me pone de mal humor, por todo lo que implica, se me hace una música sin sentido desde las letras, su música, el desarrollo que le dan, lo que quieren aparentar, aborrezco también a las personas que creen que ese tipo de música es un movimiento o un estilo de vida. No simpatizo con ellos, me parecen escasos de cultura, de ideas y de creatividad. Cada quien su vida pero en lo personal creo que el rock es el único género que se puede considerar como estilo de vida y que sí tiene realmente una raíz de caos y acción.

¿Qué le aconsejarías a alguien que quiere empezar en esto?

A los que quieren entrar en esto lo único que puedo decirles es que hagan lo que les guste, que pierdan el sentido del que dirán, que no hagan cosas para gustarle a otros. El arte lo hacemos nosotros, el arte no está precisamente en las grande galerías, en los grandes artistas que se han dado, en los objetos; sino en el accionar, no se trata de hacer un producto, se trata de cómo tu lo generas y qué dices a partir de algo ya sea música, pintura, escultura, etc.

Actualmente hay una élite del arte, ellos catalogan que es y que no es arte. A mi esa élite me da risa, el arte lo desarrollamos cada uno, desde nuestros propios espacios, el arte tiene valor cuando tiene la conciencia de lo que estás haciendo y de lo que quieres expresar, sin importar una técnica o un proceso, el arte es lo único que nos libra de todo a lo que estamos encadenados.

¿Cómo describirías el momento histórico cultural en nuestro país?

Realmente es difícil este proceso por el cual estamos pasando no solo en nuestro país, sino en nuestro mismo estado. Tendemos hablar mucho del gobierno, del estado opresor, de la alienación, pero creo que en México no se tiende a tener conciencia, tenemos la conciencia de los mismos borregos a los que seguimos, somos críticos de la misma crítica de otros, críticos de la misma ignorancia. No tenemos la conciencia de autocriticarnos. Siempre es más fácil ver la paja en el ojo ajeno. Por ello falta mucho trabajo desde nosotros mismos, desde nuestros actos, desde nuestros papeles, desde nuestros espacios, hasta lo que queremos nosotros mismos.

Si las personas fueran mas conscientes y se enfocaran en sus propios actos este país seria mucho mejor, el trabajo es de nosotros, no hay que esperar a que el gobierno venga como un mesías y solucione todo, exigimos mucho pero aportamos poco. El caso de Oaxaca es un ejemplo claro de la ignorancia, del egoísmo y de la corrupción. El caso de los maestros es precisamente eso un ejemplo de lo que el mexicano busca, pasar sobre el que sea con tal de obtener lo que uno quiere. Tampoco estoy a favor del gobierno y de las tácticas que utilizan para reprimir a los ciudadanos, pero eso siempre ha existido, para combatir al sistema hay que ser mas inteligente, ya no se puede combatir con una marcha, con un plantón, con afectar al mismo pueblo.

El accionar esta en nosotros por medio de la misma conciencia. Cuando no existe conciencia sólo encontraremos ignorancia y seguiremos siendo una oveja mas de ese gran rebaño.

De ante mano agradezco la entrevista y sobre todo el tomar en cuenta lo que estamos haciendo.

Me despido con un saludo y un abrazo.

Miguel Calvo ( Gallo )


Gallo-Ramlag Facebook

Festival Impulse: Autogestión en Acción.

¿Qué pasaría si las subculturas, comunidades, escenas, etc. no pertenecientes al mainstream o a lo netamente comercial unieran estrategias para juntos expandir su trabajo artístico y crear una interrelación de comunidades independientes?

Sucedería algo como el Festival Impulse: “Autogestión en Acción”. Un encuentro de diferentes proyectos artísticos, gráficos y musicales que se reunen para compartir y comercializar sus creaciones y arte de manera libre. Realizado el 30 de abril de 2016 en su tercera versión en Ciudad de México, en las instalaciones del recinto cultural Punto Gozadera, a iniciativa del equipo colaborador del sello discografico  WOS (We Only Share) encabezado por Mauricio Sotelo. Él nos explicó de que trata todo este proyecto.

-¿Qué es el Festival Impulse, de qué trata y cómo surge?

El Festival Impulse es una iniciativa que surgió en paralelo a las actividades de WOS, es decir surge de WOS,sin embargo, la idea era invitar a más gente que no precisamente estaba dentro del sello, pero que estaban y están, muy activos en sus respectivos terrenos de creación y producción, sean artes visuales, plásticas, otras propuestas musicales, comercio independiente de artículos varios y en sí crear un  punto de encuentro para toda esa nueva cultura de productores independientes, que ha proliferado de manera  importante en la CDMX, a través del bazar-tianguis, como formato de venta y de exhibición.

-¿Quiénes organizan?

Ha variado, en un principio nos juntamos Central del Pueblo AC, Casa Biciteka AC, Mitamine Lab y WOS, como principales organizadores, para esta tercera edición al cambiar de sede y por algunas diferencias entre organizadores, se han juntado Fonografika Estudio, Mitamine Lab, Kenich Ahau AC y Punto Gozadera, entre otros.

-¿Quiénes participan, que tipo de proyectos, cuáles son los más relevantes?

Participan muchas personas, en cuanto a música por ejemplo varía muchísimo, incluso muchos han tenido su primer acto en vivo en nuestras ediciones de Impulse como el joven DJ y productor Future Otaku, cuyo set es contundente para la pista de baile y puedo destacar también al duo de Weird Techno, Amateur y a Luis Pacheco y su amplia experiencia para el House y el Techno, en la segunda edición de Impulse tuvimos a la banda Plumas de Reptil, la única banda en WOS, a los Selváticos un poderoso trío de Garage Rock que ya desgraciadamente se acaba de desintegrar y bueno en cuanto a artistas puedo mencionar a Lina Lot una gran y muy joven ilustradora al igual que a Trazo Podrido, a la gente el extinto colectivo de Gráfica Central de donde de igual manera destaco a Jonás Ñero un gran grabador, a Brenda Rueda que ha colaborado con WOS, a Are.TT otra buena productora de gráfica entre varios y bueno en general hay mucha gente talentosa.

-¿Cuál fue la respuesta del público asistente?

Es complicado, la primera edición estuvo muy bien, claro, no hubo muchísima asistencia pero fue un evento que destacó al igual que la segunda edición, el problema es que hay mucha oferta de eventos bajo este mismo formato cada fin de semana en CDMX y cada uno de estos ya tienen un público fiel, sin embargo la respuesta de la gente con Impulse, ha sido grandiosa, tanto asistentes como colaboradores que recién se unen, por ese lado no podemos quejarnos, lo que si es que buscaremos acaparar más gente aún y llegar a un público más amplio.

-¿Cuál fue la sede?

Para la primera y segunda edición fue la vecindad de Central del Pueblo y para esta tercera edición fue Punto Gozadera o La gozadera como también es conocido, un lugar con un perfil Feminista muy fuerte, pero donde están sucediendo muchas cosas interesantes, para esta edición se unió el colectivo GIXFO (Grupo Independiente de Experimentación Fotográfica) proyecto que hace muchísimo fundé pero que mi gran amiga Carla Tovar retomó a últimas fechas para precisamente en esta tercera edición, organizar una exposición fotográfica cuyo nombre fue Uno a Uno, donde participaron Angélica Ortiz del dúo Amateur, Brenda Rueda, la misma Carla Tovar y Elisa Ruiz y Ariz Canseco que fueron alumnas mías durante mi estancia como tallerista en Central del Pueblo con el taller de fotográfia análoga.

+BONUS

Para futuras ediciones Impulse cambiará de nombre, formato y organización creándose así Impulse Project, con el fin de hacer mejores eventos y des centralizar a Impulse de la gestión de WOS y poder así ampliar nuestras colaboraciones con otros proyectos e instituciones.

impulse project

 

COMPILACION DE MÚSICA EXPERIMENTAL EAC-C02

En conmemoración a su segundo año de existencia, el sello digital EAC Records, presenta un compilado con piezas de corte experimental y tendencia hacia la música alternativa. En esta selección se concentran obras creadas en medios electrónicos, electro-acústicos y digitales. Fruto de la colaboración de un grupo de artistas emergentes que fueron invitados a dedicar una pieza al público que gusta explorar un sonido más selecto y profundamente diferente. Sonidos que nos llevan a los límites de nuestra propia percepción auditiva y a las fronteras de la realidad musical colectiva. A continuación describo cada canción e incluyo el enlace para su escucha.

El disco abre con la pieza “6:45” del maestro del IDM Charles Modulation, que con un cautivante sonido space flute, genera visiones enigmáticas de otros universos. Le sigue la pieza también de tintes ambientales cósmicos cercanos al future garage denominada “42” del proyecto Ö, de la artista visual y sonora Sophie Anne que con melódicos tonos y ambientaciones espaciales destaca dentro de este compilado con su uso de sampleos provenientes del cine interspace sci-fi. Por su parte el artista y compositor Mondragón aporta su simbólica obra llamada “Sincronía“, la cual fue creada a partir de sonidos provenientes del espacio exterior captados en el observatorio chileno Atacama Large Millimeter/ submillimeter Array (ALMA).

El dueto BFOS cuyo significado es Binaural Fusion of Swing presenta una deslumbrante pieza inductora a un estado de hipnosis sonora que tiene como nombre “Step Shot“, estos compositores forman parte de una reciente línea de música electrónica experimental y académica, que se gesta a partir de un esfuerzo colectivo por transmitir una nueva intercultura.

Los músicos representativos del Weird Techno presentes en el álbum son Alpha+ y Agente Pez cada quien con una pieza memorable, denominadas “Caín” y “Koalas Calling Home”, respectivamente. Ambas canciones se caracterizan por poseer ese estilo techno raro experimental que tiene sus raíces en el arte sonoro y el ruidismo, conjugado con descargas de bass y tempos hiperactivados.

Erick Morales presenta una armoniosa y melancólica canción con una perspectiva ambiental downtepo de nombre “I Found You“. Le sigue Boiyamyaz, quien otorga a esta colección el toque jazzero electrónico con “Madness“. Después viene la canción “Cosmovision Yoik” del prometedor proyecto HEMD, obra del antropólogo y explorador sonoro Antonio Juárez, la cual suena a un techno extraño industrial y oscuro.

Quien da comienzo a la parte más alquímica, musicalmente hablando, de este compilado es José Soberanes, fundador del sello discográfico digital Nova Fund; él participa con una improvisación sonora de nombre “Calambre” que trasciende géneros como el lowercase y el space ambient. El músico electrónico Luis Trasto muestra una composición analógica de título “Liquify“, que es un gran ejemplo de lo que se puede lograr con artefactos basados en la electrónica modular. Mientras que el maestro del radioarte Víctor Rivas presenta una canción del más puro glitch y data bending llamada “Output Data Error“. Postdata, prometedor proyecto audiovisual, da forma al bloque cyber de esta selección con la canción “No One“, la cual cargada de drones representa de la mejor manera la tendencia experimental leonesa.

Por su parte Mariana Benavides también hace entrega de un sonido cautivante y cibernético, inductor a estados de meditación profunda, en su pieza que lleva como título: “When the machine recognizes itself“. Música creada directamente para modificar el estado de conciencia y a la vez predice un momento en la existencia material que cambiará el rumbo del universo.

PCCL hace entrega de una pieza con nombre en japonés: “Watashi no kankyo“. En ella indaga dentro del paisajismo sonoro con su particular línea drone. Por su parte Franco Falistoco, explorador sonoro y productor proveniente de Argentina, nos muestra su estilo enfocado en la experimentación sonora y el radioarte a través de su obra “Películas“.

Omar Fraire interpreta “Sinergia.·.Serendipia“, una composición realizada con un cordófono ancestral denominado Chapareque, el cual es un instrumento que tiene su origen en el pueblo rarámuri. Esta obra es una combinación electroacústica de la tradición musical tarahumara con distintos medios electrónicos utilizados en la producción realizada por este virtuoso artista.

Finalmente Valei, quien es cantautora y terapeuta del sonido de origen argentino y cuyo trabajo musical abarca múltiples estilos, cierra este compilado con una excelente pieza drone vocal titulada: “Introducción a la mano galáctica“.

Son 18 canciones seleccionadas para disfrutar y deleitar nuestros momentos sensibles de meditación y descanso mental. Disponibles en descarga gratuita en la plataforma digital del sello EAC.

Entrevista a Roberto Morales Manzanares. Músico Experimental y Catedrático.

La siguiente entrevista fue realizada durante el Primer Festival Sonosíntesis en León Guanajuato en 2015 donde Roberto Morales participó con varias de sus obras acústico escultóricas, así como la presentación de un concierto y una mesa redonda. Aquí nos habla sobre su investigación en arte interactivo, también toca temas como el uso de nuevas tecnologías, arte digital y la música electrónica. 

-¿De dónde proviene esta línea de arte que tu manejas y de dónde surge tu inspiración?

Roberto Morales Manzanares: Hacer música experimental o experimentar con cosas te da mucho más rédito desde mi punto de vista, primero te motiva en la investigación para entrar en otras disciplinas. Te motiva a explorar nuevas críticas. Te ayuda a no repetirte por que a veces cuando uno tiene éxito con una obra, uno ya se sabe la fórmula, y creo que eso como artista te puede hacer ir hacia atrás en lugar de ir adelante; entonces si ya diste con algo lo importante es dar con algo nuevo después de eso, tener esa capacidad de exploración, de poder de repente renovarte en tu propia estética, en tu propia idea.

Mi formación ha sido bastante ecléctica y he compartido ese eclecticismo también con la gente que se acerca a mi, estudiantes o gente que de alguna manera quiere estudiar conmigo composición (lo llamaría composición en general); mi formación comenzó como músico folclórico, toco sonidos mexicanos, sones Huastecos, Jarochos, Istmeños, básicamente.

Esa es la parte fuerte; toco el arpa, flauta, piano; después hice la formación de pianista concertista, flautista concertista y composición. Paralelamente tenía un grupo experimental que ahora va a renacer que es Alacrán del Cántaro, con el cual experimentábamos con pintores en vivo. con bailarines en vivo, todo era en tiempo real, pues en esa época usábamos sintetizadores analógicos como el ARP 2600 y Korg 3100 por decir algo. Usábamos bajo eléctrico, percusiones y también usábamos instrumentos folclóricos; por ejemplo una pieza que tengo con Arpa Chamula que se llama Nahual II que es música electroacústica, básicamente soporte fijo y el arpa con algo de procesamiento en vivo; esa pieza se hizo en el 92 y entonces no había la capacidad de las computadoras que existen hoy en día.

A partir de ahí ya había este incentivo de utilizar la electrónica ya sea análoga o digital como una herramienta igual, con la misma relevancia por ejemplo de una guitarra o una flauta o un piano, finalmente creo que la curiosidad por el sonido del hombre viene desde siempre, la diversidad que hay de música, de instrumentos acústicos, la electrónica simplemente es un instrumento más como el piano.

Nos da la oportunidad de moldear el sonido de diferentes formas con un costo relativamente más corto que volver a rediseñar un chelo, o rediseñar una guitarra; nos da la oportunidad, por un lado de conocer con mayor profundidad la acústica del sonido, como se comporta y la posibilidad de imaginar, de utilizar modelos físicos o matemáticos para generar nuevas alternativas de sonido o distorsionar el cómo funciona un instrumento de cuerda, un instrumento de viento y a partir de ahí generar nuevas alternativas de los instrumentos, combinar diferentes tipos de generadores de onda y pues divertirse como locos.

– ¿Qué prejuicios existen hacia el uso de la tecnología en la música experimental?

R: Esa es una pregunta muy común creo, el prejuicio nace primero de la ignorancia, no de otra cosa, generalmente cuando desconocemos algo viene un rechazo natural,  “no pues es mucho ruido, no lo entiendo, no sé como lo hacen” entonces como no sé como lo hacen, entra uno en una situación como de conflicto, en lugar de tal vez aceptar que así es esto y punto.

Además por otro lado, la música electrónica nos permea por todos lados, si vemos películas, obras de teatro, contemporáneas y demás. Siempre hay elementos electrónicos. De hecho simplemente amplificar una pieza acústica llamese bajo o lo que tu quieras en un disco, estás haciendo música electrónica; en realidad no tienes a los instrumentistas en vivo pues te sale muy caro.

Entonces es un medio completamente contemporáneo, lo vemos en los dj´s contemporáneos pues hacen música electrónica, básicamente hacen feedback, pasan bajas, pasan altas con resonancia, y listo eso es, como va subiendo, como van ampliando el espectro sin ampliar el volumen, simplemente voy abriendo un filtro y pasa altas y ya está.

– ¿Ustedes como investigadores en el arte digital, que tienen acceso a estas tecnologías e incluso la modifican, están llegando una independencia tecnológica?

R: En mis tiempos, los 70’s y 80’s la música experimental si la podías hacer en los teatros, yo me acuerdo que teníamos conciertos seguidos en el DIF, en la casa de la cultura de la UAM, llenábamos los teatros. Ahora creo que el arte contemporáneo se están yendo a las galerías. Yo no sé si por esta cuestión de las instalaciones o digamos los artistas plásticos o visuales están tomando el sonido o se esta abriendo un foro interesante más en galerías o en espacios pequeños que en foros que usualmente se usaban también para hacer música experimental.

No sé bien a que se debe este fenómeno, pero si es algo que esta pasando es algo que se está volviendo un nicho exclusivo, un grupo determinado de redes sociales muy específicas, y además no creo que solo esté pasando en la música electrónica sino también con cierto tipo de dj´s que se van a cierto grupo, y otro grupo de dj´s va  a otro.

Empieza a haber como una diversidad tremenda (como en la música de concierto) lo que si veo es que a veces existe digamos una campaña anti-música electrónica sobre todo colegas que hacen música exclusivamente acústica, que no le ven sentido, que no la entienden, pero al no entenderla es simplemente privarse o auto limitarse en temas de conocimiento, una ventaja que brinda la tecnología es que nos da la oportunidad de colaborar con otros disciplinas, llámese artes visuales, matemáticas, física, biología, astronomía, cualquier cosa entonces eso crea un espectro muy interesante de conocimiento y nos da la oportunidad de seguir estudiando, y no quedarse en lo que ya aprendí, si no de ser eternos estudiantes, maestros y estudiantes al mismo tiempo, eso nos mantiene jóvenes, nos mantiene vigorosos con muchas ganas de hacer cosas y creo que es lo que estamos viendo ahorita.

Por ejemplo con este festival estoy super contento, obviamente conozco a todo el medio pero me da mucho gusto ver como están evolucionando todos estos compositores a quienes les inculqué esta idea de entrar en esta parte experimental, estoy realmente contento y creo que la escena va prendiendo y va agarrando forma.

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– En este momento ¿qué estas haciendo con medios interactivos y hacia donde lo estás llevando?

R: Ahora estoy tratando de tocar con robots y con agentes que sean afectivos, aquello que sea lo mas orgánico posible. Sea natural, ya que hay mucho control; las máquinas ya son muy rápidas, lo comentábamos en la platica del concierto, no seré el más chido pero si el más contento del mundo, en el plan de que al tener ya tanto control ya puedes pensar en una cuestión mas orgánica, lo que pasa con un instrumento como la flauta puedes usar tu mente y amplificarlo, tener esa gama acústica de una manera orgánica en tiempo real.

Por otro lado me estoy involucrando en modelos compositivos que impacten de alguna manera a nuestras sentidos, es lo que estoy explorando, que las máquinas reaccionen, toco esto y que ellas reaccionen. Que haya esa interacción orgánica. Ahorita me estoy clavando en esa línea.

– ¿Podrías considerar a las máquinas como una extensión del ser humano?

R: Creo que apenas comienza, el que empezó con esta idea de guardar las memorias humanas fué Ray Kurzweil, guardar las memorias de su padre y que tenga una relación interactiva directa con la computadora, todavía eso es relativo finalmente creo que la cuestión de neurociencia y psicología sigue todavía en pañales, no hay una percepción absoluta no hay realmente patrón, ni los budistas ni nadie tiene la verdad de que es lo que esta pasando, a cada uno de nosotros, cada uno de nosotros tiene una percepción muy diferente.

Interactuamos pero finalmente lo que yo diga; tu vas a tener una semántica, y a lo mejor yo tengo otra semántica a la hora de lo que estoy diciendo y ni siquiera me estoy dando cuenta, estoy tratando de hablar lo mas claro posible, pero finalmente hay varios vectores que interfieren o que hace que tu deduzcas una cosa u otra, por ejemplo, algo que pasa mucho es “ese comentario lo sentí agresivo”, y puede ser una cuestión de apreciación de tu día, que fue lo que te hizo detonarlo como un comentario o como una broma pesada mientras que otros dijeron a mi me pareció una muy buena puntada.

Mas bien estoy trabajando de una manera, con evidencias o tipos de secuencias que causan algún tipo de cosas, algo que me motivó mucho cuando hizo la opera Dunaxhii: Una memoria decapitada, ésta la estrené en Oaxaca el 28 y 29 de Noviembre, ahí me di cuenta a la hora que estaba orquestando y que estaba trabajando con modelos algorítmicos, que realmente si podías generar diferentes tipos de sensaciones, alrededor de esto, entonces dije, es el momento de llevarlo de una manera mas interactiva. Por ahí va mi línea.

– Código abierto ¿Utilizas alguno?

R: Si claro, son muy flexibles; uso Super Collider y hay otros más efectivos, he trabajado mucho en MAX MSP, en Estados Unidos trabajé muchísimo con ésta tecnología durante 5 o 6 años, pero ¿por qué me fui con Super Collider? Por un lado cuando empecé con la programación y con el código comencé con un sistema que ahorita es como si fuera Esperanto, que es PROLOG el cual todavía uso, aun tengo programas y hago interacción con ellos, tengo un robot muy bonito en PROLOG del cual estoy muy contento, por ejemplo si entran al Sound Cloud: Alacrán del Cántaro ahí pueden ver varias piezas, hay una de piano donde estoy interactuando con un robot; yo le mando notas y el me responde con otras notas, en fin hay cosas muy suaves ahí empecé con esto. Pero ahorita lo quiero refinar un poco más.

Pero si, claro que estoy en favor del código abierto, por varias razones, una compañía se limita a 5 programadores crean un foro y son éstos 5 ó 10 programadores los que mantienen el sistema. Y el código abierto es una comunidad, entonces la ventaja de una comunidad es que es completamente democrático, es un foro donde todos nos ayudamos y hacemos del software una cuestión muy interesante.

Ahora Super Collider nació muy bien, creo que es la que tiene la mejor máquina de síntesis a la fecha, le ha metido mano mucha gente pero no sabemos cuánto dure, hasta el momento es un programa interesante, su base de programación es SmallTalk que se parece mucho a PROLOG, entonces en ese sentido me ha resultado bastante cómodo y en términos de estrategia también, es muy diferente a MAX MSP pero funciona muy bien. Yo soy muy amigo de Miller Puckette; y desde que publicó Pure Data, se aventó una plataforma también muy sólida, ha evolucionado de una manera muy interesante también. Creo que estamos más bien jugando con el sonido para crear lenguajes propios. Es una cosa interesante en conceptos, estamos viendo lenguajes completamente distintos, hay una diversidad total, eso es.

– ¿Qué le dirías a las próximas generaciones de artistas que vienen atrás de ti?

R: No se, en mi caso personal mi hijo tiene 24 años y trae otra línea, me sorprende la capacidad que tienen para encontrar cosas, una apertura brutal en ese sentido. Creo que hay una disposición no solo en redes sociales si no una cultura del manejo de internet que te modifica los gustos, te modifica tus intereses. Ahora es más difícil tener movimientos tipo zapatistas o como cuando llegaron refugiados políticos de sudamérica por los golpes de estado, vamos, no hay esa cosa como de masas, congresos gigantes, creo que ahora es diferente, entonces no se como vengan las nuevas generaciones, lo que podemos hacer es compartir; lo que ya tenemos de manera más honesta y de ahí que evolucionen.

Roberto Morales Manzanares. Músico y compositor con formación académica en creación musical, piano y en flauta. Entre 1981 y 1984 crea el taller interdisciplinario de música, pintura, poesía y danza, en donde nace el grupo Alacrán del Cántaro. Es fundador del Festival Internacional el Callejón del Ruido. Crea el Laboratorio de Informática Musical en la Universidad de Guanajuato entre 1992 y 1993. Doctor en música en la Universidad de California Berkeley. En 2011 dirige la Bienal de Arte Electrónico Transitio MX. Es profesor en la Universidad de Guanajuato y tutor del Programa de Maestría y Doctorado en Música de la UNAM. Entre sus obras figuran Cenzontle (2004), Nahual II (1990) para arpa chamula y autómatas finitos, Flauta de Serpientes (2013) para flautas prehispánicas y computadora en vivo, Agua derramada (1993), para sintetizadores análogos, Play Day (2012) y Dunaxhii (2014) la primera ópera escrita en Zapoteco para orquesta de cámara y medios interactivos.

Convocatoria: COMPILADO EAC VOL. 1

Convocatoria abierta para creadores de sonido digital, electrónico y electroacústico.

El universo del arte digital aún se encuentra en expansión y en este segundo año de colaboración en DigitArt Mx hemos decidido aventurarnos en la producción de un compilado de artistas digitales, músicos y coders que gusten explorar nuevos sonidos y compartir su trabajo.

Fecha de cierre 15 de Febrero 2015.

La aportación de los creadores es de una pieza sonora de su propia autoría, cuya duración sea mayor a 1 minuto y menor a 9 minutos. La cual será publicada en una compilación bajo el sello EAC REC.

Los interesados pueden enviar su pieza en formato .wav o .mp3 al correo convocatoria[a]digitart.com.mx., anexando una semblanza personal y una descripción de su obra.

+INFO: 472 118 0107

Sonosíntesis: Festival de Música Electroacústica y Acusmática

Sonosíntesis. Entrevista a Manuel López, organizador del festival.

Sonosíntesis es el primer encuentro de compositores y expositores de arte sonoro y música electroacústica de esta magnitud llevado a cabo en León Guanajuato. En este festival converge lo más representativo de varias generaciones de artistas que han dado forma a la escena de la música experimental de nuestro país. Investigaciones en los campos de la música computacional, la interactividad, medios electrónicos y nuevas tecnologías serán presentadas del 19 de mayo al 1° de junio en las instalaciones del centro cultural Azul Magenta. Talleres, conferencias y conciertos son los formatos en los que se transmitirá este conocimiento, surgido de la experiencia de los más importantes creadores de arte sonoro de nuestro país. Manuel Rocha, Roberto Morales, Rogelio Sosa, Víctor Rivas, los miembros de Rorschach 3.0 y el filósofo Benjamín Valdivia son algunos de los personajes invitados a este acontecimiento.

Entrevistamos a Manuel López director de Sonosíntesis

Compositor, músico electroacústico y organizador del festival quien nos explica el entorno en el que se gesta Sonosíntesis.

¿Platícanos de dónde eres?

Soy originario del Distrito Federal, ahí estudié la carrera de composición en la Escuela Nacional de Música con el maestro Ulises Ramírez y hace ocho meses estoy aquí en León. A algunos colegas compositores de aquí del estado de Guanajuato los conocí en varios cursos en el Festival Visiones Sonoras y a otros en Querétaro en un curso de composición. Me interesa mucho la estética musical digital y veo que aquí en Guanajuato es muy fuerte. Creo que tuvo mucho que ver la aparición de Roberto Morales aquí. Y ya que estoy aquí se nos ocurrió armar este festival.

¿Qué es Sonosíntesis?

Es una fiesta de la música hecha a través de nuevas tecnologías. Es el inicio de algo que queremos que perdure y que sea anualmente. Empezó siendo una idea muy básica: “Vamos a hacer unas tocadas con nuestras piezas y que vengan los alumnos de Creasónica, la escuela de música que se encuentra aquí en Azul Magenta, para que escuchen nueva música”. Después contactamos a Roberto Morales, le platicamos el proyecto y el sembró una semilla que germinó muy rápido y se hizo más grande. Iba a ser sólo un concierto y una conferencia. Empezamos a contactar a los compositores, a los expositores, y todos aceptaron, todos dijeron vamos. Así se empezó a hacer algo más grande, tuvimos que ponerle un nombre. Comenzó de la necesidad de expresar la música. Vemos que aquí hay muchos compositores, tanto de León como del DF que quieren expresarse. Se abrió el foro y se empezó a realizar todo esto. Va a ser una fiesta de música donde la gente va a salir con otra percepción sobre la estética de la música que se hace ahora.

¿Tu trabajo con nuevas tecnologías hacia donde lo has encaminado?

Es algo extraño. Estudié composición, orquestación e instrumentación con Ulises Ramírez. Aunque yo no me considero compositor electroacústico tengo piezas electroacústicas y acusmáticas, pero nunca he sentido que sea mi fuerte. Más bien mi fuerte es la composición acústica, que es la que más escribo. Me siento mucho más cómodo escribiendo y expresándome en ese sentido. Pero me encuentro con el arte digital que es una puerta creativa muy grande. Poder imaginar un sonido que ningún instrumento convencional lo puede dar y la manera de crearlo. Desde esa parte técnica es muy interesante la manera de crear un sonido que te imaginas de la nada. También  la parte estética, como el ruido blanco puedes manejarlo y ser expresivo. Mi trabajo es más hacia la composición acústica, pero he utilizado varias herramientas digitales.

¿Qué software has utilizado?

Supercollider, Pure Data, Max MSP.

¿Hay alguno que te guste más?

Yo me siento muy cómodo en Pure Data, me sale más rápido. De hecho el taller que estaré dando durante el festival es sobre Pure Data. Al principio lo  empecé a tomar de manera autodidacta y después cuando fui a Rusia al Centro de Música Contemporánea con Vladimir Tarnopolsky estuvimos en un laboratorio trabajando sobre esta plataforma digital y resultaron cosas interesantes.

Sonosíntesis en Azul Magenta, León Gto.

Instalaciones de Azul Magenta.

¿Qué otros cursos se estarán impartiendo en el festival?

Un taller sobre Arduino, que es una plataforma de manipulación externa de datos, éste lo va a impartir Raúl Azcué, el Director de Azul Magenta. También van a estar los talleres de Processing y Supercollider, que de hecho los va a impartir Emmanuel Ontiveros quien también es expositor en el festival y un amigo desde hace mucho tiempo. Habrá conferencias y cuatro conciertos. El primer concierto es algo único en la historia, va a participar Roberto Morales, Manuel Rocha y Rogelio Sosa. Creo que nunca se ha visto un concierto tan grande aquí en León. Del contacto con los compositores se aprende mucho. Ellos son humildes ante la música, que es algo que no puedes tener, no es tuyo. Vienen simplemente por el hecho de expresarlo, todos con una disposición bien humilde.

¿Te parece que este tipo de arte es más honesto al no tener fines comerciales?

Pues, debería de ser con todo, de hecho ese es uno de los temas en la mesa redonda donde va a estar, Rogelio Sosa, Manuel Rocha, Roberto Morales y el filósofo mexicano Benjamín Valdivia va a tratar este tema, el problema de la Estética Contemporánea. Por ejemplo el artista se puede ver más desenvuelto en un arte que no es comercial ni tampoco clásico, pero para la mayoría de los oídos resulta un arte muy elitista, no muchos escuchan esta música o conocen este tipo de estética musical. Sin embargo desde mi percepción la música no es así, la música no puede ser elitista, ni por cualquier música te tienes que sentir influido. El punto no es vender, es expresarse, es un lenguaje y mediante los lenguajes nos expresamos, no es más que eso, una capacidad de expresión.

¿Habrá presentaciones visuales?

Habrá video en un proyecto que trae Víctor Rivas, conductor de “Más que el Ruido”. También en la presentación de los Rorschach. Paúl León y Ricardo Durán presentarán visuales. Eso va a estar interesante, que los miembros de Rorschach van a presentarse como compositores independientes y aparte van a estar juntos en su Colectivo en el concierto que va a cerrar el festival.

¿A ellos los conociste aquí en Guanajuato.?

A unos los conocí aquí en Guanajuato y a otros en Morelia en el Festival Visiones Sonoras.

¿Y como ves la escena electroacústica?

Pues hay muchos compositores. De mi generación de composición en la UNAM se armó también un colectivo, por ejemplo acaban de llegar Manuel Rocha y Roberto Morales a dar clases a la UNAM y viendo el programa del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, hay mas conciertos de música electroacústica. Antes nada mas había uno, ahora son tres eventos de música electroacústica dentro del foro. Son estas mismas personas que han estado desde mediados de los noventas, esta escena empieza a crecer aquí en Guanajuato y son compositores que están jóvenes todavía. En la Escuela Nacional está el Colectivo Radiador y otros compositores nuevos electroacústicos pero creo que aquí hay más.

¿De dónde surge la necesidad de crear este tipo de arte?

Yo creo que siempre el hombre ha tenido la necesidad de conocer. Al principio como en todo siempre resulta uno renuente ante las cosas, cuesta trabajo. La mayoría de los compositores que se dedican a esto son honestos pues no expresan mentiras en su composición. Yo siempre he pensado como te decía hace rato que el arte y la música son un lenguaje y no vamos a hablar de otra cosa más que de nosotros mismos. Podría hablarte de ejemplos históricos como Dante que se tardó trece años en escribir la Divina Comedia expresando en  ella un conocimiento nada más de sí mismo. Y al crear músicas de estas, no nada más de esta estética, sino estilos como Wagner o Shostakóvich, siempre va a resultar al principio difícil porque lo que estás escuchando es algo de ti, no es tan sencillo conocerse a sí mismo y aparte aceptarlo. Tener la valentía de enfrentarse a uno mismo, simplemente tener la capacidad de sentarte y escucharte a ti, que es lo que realmente escuchas en cualquier música, bueno no en todas porque luego si hay música muy comercial. Lo que va a pasar aquí nada más es eso, que la gente que venga va a encontrarse a sí misma, hasta se hizo un eslogan, “Van a salir con unos oídos nuevos”. Y pues siempre estrenar algo esta padre ¿no?

Entrevista a Manuel López de Sonosíntesis

Manuel López – Director del Festival Sonosíntesis.

¿Cómo te dirigirías a las personas que no conocen qué es la electroacústica?

Pues es interesante abordarlo desde el punto de vista histórico. La electroacústica y el desarrollo de su estética es muy interesante porque viene de principios del siglo veinte cuando estaban estas dos corrientes, la corriente francesa impresionista y la corriente alemana expresionista. Los expresionistas opinaban que los impresionistas solamente “imprimían” la realidad con la cual uno es cautivado mediante los sentidos; mientras que los expresionistas “expresaban” una realidad que según ellos está escondida, está en tinieblas. Por ejemplo Debussy escribió El Mar, tratando de transmitir toda esta sensación de las olas. Luego llega Pierre Schuaffer, quien dice, “tengo detrás mío toda esta corriente impresionista y quiero expresar el mar, pues que el mar hable por sí mismo”. Y comienza a utilizar tecnología donde ya podías grabar. Es un inicio interesante, donde ya no se tiene que simular algo sino que ese algo puede sonar por sí mismo. Luego vienen más compositores y la música concreta. Después los alemanes se unen a esta idea francesa de expresarse a través del concretismo, pero ellos todavía traen toda su estética tradicional alemana que viene desde Wagner, incluso más atrás, donde se tiene que buscar la expresión del objeto, la expresión de la realidad. Los alemanes haciendo música electrónica y electroacústica suenan muy diferente que los franceses. Y es así como todas estas corrientes nos llegan a nosotros en México y empezamos hasta los ochentas y noventas a expresarnos con estas tecnologías. Creo que es necesario conocer esto para poder encontrarse uno y dejar que el arte haga su trabajo y nos exprese como humanidad.

Algún comentario final que quieras compartir.

Agradecerles a ustedes por la labor que están realizando dentro del arte digital y el arte contemporáneo aquí en la región, yo no pensé que hubiera un trabajo como este que están haciendo, para que estas cosas lleguen a mas oídos, a más ojos y a más pieles. E invitar a toda la gente para que asista a las actividades del festival, que chequen el programa en www.sonosintesis.com  para que asistan a las conferencias que van a estar muy interesantes, y disfruten de las 10 instalaciones audiovisuales y esculturas sonoras que habrá aqui. Ya verán que se van a dar una divertida en Azul Magenta.

Manuel López Bonilla es egresado de la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México, 2012. Realizó estudios en el Conservatorio Estatal de Moscú con el maestro Vladimir Tarnopolsky. Algunas de sus piezas han sido presentadas en  festivales como el Foro de Música Nueva Manuel Enríquez, el Encuentro de Arte de León y diversos eventos en el Distrito Federal. Actualmente colabora en la escuela de experimentación musical Creasónica del centro cultural Azul Magenta.

André Damião. Super_fic (Live Coding).

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André Damião es un artista brasileño, catalizador de una nueva generación de artistas postdigitales para quienes el código es un recurso artístico y una herramienta visual. Realizó distintas actividades artísticas en su visita a nuestro país. Después de sus presentaciones en DF y Guanajuato para el WhiteNoise Fest regresó a Morelia, donde trabajó en una investigación sonora móvil realizada para el Centro de la Cultura y las Artes de Morelia. Durante este período DigitArt Mx organizó su visita a León, donde presentó una función de codificación en vivo llamada Super_fic en HOLUX Galería. Esta presentación fue seguida por una fiesta en El Piso donde André mezcló una selección de música, mostrándonos sus influencias de jazz, electronic, ambient y IDM. Antes de la función principal en HOLUX, impartió un taller sobre creación de visuales y ruido en la Escuela de Artes Plásticas (ESAP León) donde enseñó a los estudiantes como generar una variedad de secuencias de audio y la forma de transportarlas a un estado visual en la misma interfaz. El código de fuente abierta utilizado en el taller fue PD Pure Data .

La siguiente entrevista fue realizada en el Departamento de Artes de la Universidad de Guanajuato, durante el WhiteNoise Fest [ex nihilo].

Platícanos acerca de tu experiencia musical.

Estudié composición, en la Universidad de Sao Paulo, que tiene una especialidad en música electrónica, pero antes estudié en Holanda durante un año, también composición. Luego volví a Sao Paolo y estudié durante otros 5 años. Me gradué en música electrónica y ahora estoy haciendo una maestría en el Centro de Sonología de la Universidad de Sao Paulo, que es sobre música móvil, estoy investigando la música y la movilidad, qué pasa en nuestra percepción al tener medios de comunicación móvil a través de los cuales podemos comunicarnos  y utilizar como fuentes de sonido.

¿Nos puedes explicar qué es la Sonología?

Esa es una pregunta difícil. Hay muy pocos lugares en los que se utiliza el término Sonología, solamente en Brasil, Países Bajos y España. El término tiene áreas que son más técnicas, como la acústica y más artísticas, como la música experimental. Lo bueno del término es que abarca muchas cosas que aún no se pueden clasificar en este momento, como el arte y las técnicas de software sonoro en la música. Creo que en la música hay muchas ideas preconcebidas sobre lo que es la composición y los rituales en torno a ella. En Sonología las cosas son más abiertas, es la búsqueda de un tipo de enfoque experimental para crear nuevas obras.

¿Son nuevas estas áreas de estudio?

No tanto, el Instituto de Sonología fue fundado a finales de los años 60.

¿Qué nos puedes decir acerca de la escena en Brasil?

Hay gran actividad en Brasil en estos momentos. Conozco mejor la escena en el sureste. Donde cada vez hay más y más espacios para la música experimental dentro de las universidades y hay un fuerte movimiento de hackerspaces y de pequeños lugares para la música experimental.

¿Qué piensas acerca de lo que está pasando ahora mismo en México?

Estoy feliz y sorprendido por la escena aquí en México, llegué aquí la semana pasada al DF para el WhiteNoise Fest, donde participé con una obra en vivo de codificación y tres conciertos, dos en WhiteNoise Fest y otra en el Centro Multimedia del CENART . Quedé muy sorprendido, sobre todo en el WhiteNoise donde teníamos un público de cerca de un centenar de personas todos los días, fue magnífico. También hubo otros eventos que ocurrieron al mismo tiempo en el festival, que también tuvieron buen público, quedé muy sorprendido. Y la calidad de la obra era muy buena también .

¿Qué tipo de trabajo presentaste?

En el WhiteNoise presenté una pieza multimedia concreta, que se creó en un programa de radio durante la Bienal de Artes de Sao Paolo, se produjo un programa de radio e hice un show que se llama Feed the Radio Back, donde usé los programas para hacer una pieza. Primero toque la pieza y le pedí a la audiencia que la grabara en sus casas o en el lugar en que estaban escuchando, sus coches o donde fuera, y me enviaran las grabaciones de nuevo. Entonces en el siguiente show yo remezclaría los sonidos que me enviaron, tocaría la pieza de nuevo y ellos grabarían otra vez y así sucesivamente. Por lo tanto, tendría la degradación del primer material y también todos los otros sonidos ambientales. La pieza que toqué fue el resultado de este programa. ​​Las demás obras que presenté fueron codificación en directo, que es lo que estamos viendo en el taller.

¿Qué tipo de software utilizas?

Utilizo solamente código abierto, PD Pure Data, Supercollider y Processing para mis presentaciones y para la edición trato de utilizar Reaper.

¿Qué otra plataforma de hardware usas?

No para esta presentación, pero uso Arduino y Raspberry Pi, creo que esas son las principales que he usado para desarrollar mis obras.

¿Qué le dirías a los nuevos creadores de nuevos medios y artes digitales?

Hagan cosas, creen. Sobre todo con la tecnología en el arte a veces pueden quedar impresionados en el principio: “¡Oh, mira esto! ¡Todo lo que se puede hacer!” Y luego, cuando comienzan a ver las obras, las cosas se ven más o menos iguales en la primera etapa, pues se necesita tiempo para desarrollar un lenguaje, se necesita práctica. Así que ese es el mensaje, hagan cosas, creen.

¿Hay alguna de tus piezas te gusta más?

No podría especificar una sola pieza, más bien te hablaría del proceso a través del cual hice muchas presentaciones y fue alrededor de 2008 cuando empezó, yo estaba haciendo un montón de música visual y en ese momento se me hizo muy aburrido porque había muchos otros artistas que haciendo este tipo de música. Ir a los conciertos y empezar a comprobar el sonido, las esferas parpadeantes, los ángulos, y que todo estuviera reaccionando al unisono, etc. Hay un montón de gente que hace este tipo de cosas en Brasil, así que me empecé a cansar de eso. Fue entonces cuando empecé a hacer visuales con mi propio código, utilizando el código como herramienta visual. Después vino la codificación en vivo y han pasado cuatro años desde que he estado usando código como material visual. La pieza que voy a presentar el viernes en el WhiteNoise Fest es un buen ejemplo de mi trabajo utilizando código como visual.

André Damião

André Damião es un compositor que trabaja en el campo de los nuevos medios de comunicación y la música experimental. Él es parte de NuSom (Centro de Investigación de Sonología) de la Universidad de São Paulo y es representado por la Galería de Arte TechArtLab en Río de Janeiro. Su trabajo se centra en la estética de la interfaz, livecoding y movilidad. Sus obras han sido presentadas en salas de conciertos y galerías de 15 países. 

Entrevista a Víctor Rivas. Radioasta y conductor de “Más que el ruido”.

Al final es hacer arte, como cualquier obra de arte, un cuadro, una escultura. El sonido es otro material para trabajar.

Víctor Rivas.

Institución andante, guía de miles, quienes a través de sus receptores radiofónicos han escuchado durante mucho tiempo sus programaciones. Actualmente conductor y productor del programa de radio “Más que el ruido” de Radio Universidad de Guanajuato Desde 1998 ha conducido y producido diversos programas sobre música electroacústica, arte sonoro, música alternativa, contemporánea y experimental. Entre ellos destacan: La Leyenda del Callejón del Ruido, La Changunga Mecánica, Zona de Obras y La Placa Madre.

Este año en el White.Noise Fest Víctor Rivas presentó una pieza electroacústica en la edición del Distrito Federal. En Guanajuato asistió a los talleres impartidos por André Damiao y Graciela Muñoz Farida, ahí fue donde nos acercamos a él para que nos concediera la siguiente entrevista.

¿Cuál es su consejo a los que todavía no entran a la Academia?

La verdad yo no sabría que decirles, porque por un lado creo que sí es importante y necesario que entren a la academia, a alguna institución, pero que sean buenas escuelas y buenos maestros; y por otro lado no sirve de nada si te metes a una mala escuela o estás con un maestro que en realidad no le interesa enseñar, como pasa en muchos casos. Prefieres mejor salirte y volverte autodidacta porque el maestro de plano no le echa ganas.

A mí me pasó algo parecido pero tuve la fortuna de conocer a Roberto Morales, él fue mi maestro desde que entré en 1995 a la escuela de música. Desafortunadamente sus materias no eran oficiales en el Laboratorio de Informática Musical y eran las materias que más me entusiasmaban; las otras clases también me gustaban por supuesto: solfeo, teoría del arte, instrumentos. Pero me entusiasmaban más las clases de Roberto porque me gusta todo este tipo de cosas, las computadoras, programar y todo eso; aparte también el entusiasmo que transmite Roberto. La verdad en ningún otro maestro lo notaba; a los demás maestros siempre los veía muy tristes, como que estaban resignados; como no triunfaron como artistas o no lograron hacer nada importante, se refugiaron en la academia y eso también se lo transmitían a los chavos. Roberto no. Roberto desde el principio nos aventó al ruedo, a los que fuimos sus alumnos en aquella época.

¿Cuando comenzó el Laboratorio de Informática Musical?

El laboratorio empezó en 1993, y como no eran clases oficiales, la población estudiantil del laboratorio variaba mucho; los alumnos que se salían pensaban que las materias eran fáciles pero ustedes han visto que hay que echarle “matemáticas”, y muchos desertaban. Fuimos poquitos los de aquella generación, fuimos como 5.

Sobre la primera computadora NeXT en el Laboratorio

Sí repercutió a nivel nacional. Cuando yo iba a México me decían “¿Tú eres de Guanajuato? Ahí tuvieron la primera NeXT en México, ¿verdad?”. Roberto siempre procuró equipar bien el laboratorio. Después de la NeXT logró conseguir dos Silicon Graphics con las que yo empecé a hacer música electrónica. Posteriormente consiguió las Macintosh, que fueron las que estaban más al alcance pues era difícil conseguir una buena computadora para componer música de este tipo, y el sistema de Mac era más amigable. Entonces ahí nos refugiamos, en Mac OS, en donde aprendí muchas cosas. Al final no cumplí con los requisitos académicos y me sacaron de la escuela pero yo seguí con Roberto, aparte.

Víctor Rivas

¿Qué forma de hacer música se utilizaba en el laboratorio?

Fue mi primer contacto con la música electroacústica, yo no sabía nada sobre esto. Pensaba que se trataba de lo que conocemos de manera popular, los sintetizadores pop, el dance, el house y todo eso. Creo que la diferencia está en la cuestión académica, algo más formal digamos, una propuesta más profunda.

Al final es hacer arte, como cualquier obra de arte: un cuadro, una escultura; el sonido es otro material para trabajar. Yo tuve que esforzarme mucho, junto con los chavos que estábamos en aquella época.

Primero entender ese tipo de música que Roberto nos hizo escuchar, nos preguntaba: “qué sientes al escuchar esto”, y contestábamos: “no, no nos dice nada”. Eso fue en un principio, pero él procuró también traernos gente de México y del extranjero para demostrarnos que esto era en serio, que es música que se hace igual que las otras artes, con dedicación, con disciplina, con estudios.

Trajo a Manuel Rocha y a Antonio Russek para que los conociéramos y nos dieran talleres; no son de los pioneros precisamente, pero sí son de la generación siguiente que empezó a hacer música electracústica y a difundirla en la década de los 80’s. Ellos son de la generación de Roberto. También trajo gente como Ake Parmerud que es un músico sueco muy importante.

Entonces como que todo eso le daba cierta formalidad a los estudios, porque a veces nos desanimábamos y nos decíamos “¿Quién va a escuchar esto?”. De forma paralela Roberto organizaba el Callejón del Ruido, un festival muy importante que tuvo una época muy fuerte a finales de los 90´s y principios de los 2000. Vinieron artistas muy notables que no eran famosos aquí en cuestión de popularidad pero si muy reconocidos en la academia, en sus universidades y en sus países.

También en este festival los estudiantes nos involucrábamos, no solo como espectadores o en la logística, sino como artistas participantes. Apoyábamos en la organización, pero también Roberto nos aventaba al ruedo, nos decía “este día tienen que presentar una pieza porque este día es para estudiantes, es de ustedes”.  Era raro presentar piezas acusmáticas, porque la gente a veces se salía del teatro pues necesitan una referencia visual, no sólo auditiva, y eso nos costaba mucho trabajo entenderlo, pero aun así Roberto nos impulsó y aquí seguimos.

¿Cómo te pareció la recepción del público en el White.Noise Fest [ex nihilo]?

A mí me dio mucho gusto porque me hizo recordar aquella época. Hay ocasiones en que te desanimas porque te critican y dicen “eso no es arte,  eso no es música, es puro ruido”. Sin embargo en esta ocasión durante las presentaciones sentí como un deja vú, me acordé de los Callejones del Ruido que eran en el Teatro Principal; el número de personas que asistieron eran más o menos el mismo, pero sentí que ya los chavos están más involucrados, más familiarizados.

He notado esa diferencia también con el programa de radio pues en un principio cuando entré a Radio Universidad y empecé a hacer programas de este tipo, de música electroacústica y arte sonoro, me criticaban mucho; yo me defendía diciendo que era una cuestión académica, entonces ya se calmaba la gente o les despertaba cierto interés.

¿Crees que existe una resistencia hacia este tipo de arte?

Si, muy fuerte. Incluso te llega a desanimar y algunos compañeros dejan de hacer este tipo de música.

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Sobre  el programa de radio Más que el ruido.

Yo entré a trabajar en 1996 a Radio Universidad de Guanajuato, entré como operador-locutor pero me interesó después la producción de radio y mis primeras producciones tuvieron que ver con el Callejón del Ruido. Aproveché que estaba participando en este festival y con otros compañeros grabábamos los conciertos y hacíamos entrevistas. Así hicimos un programa que se llamaba “La Leyenda del Callejón del Ruido”. Después hice otro que se llamaba “La Placa Madre” en 1998 también sobre este tipo de  música. A pesar de que a veces la gente hablaba para quejarse, ese programa duró como cinco años y al final la gente me hablaba para recomendarme música y artistas relacionados a estos géneros.

Entonces ahora que regresó Roberto, ya que anduvo estudiando su doctorado, cuando coincidíamos siempre me decía “vamos a hacer algo”, así que iniciamos otro programa de radio también de arte sonoro. Así fue cómo surgió “Más que el Ruido” ya contando con el apoyo de Roberto, porque si yo hubiera hecho la propuesta solo, a lo mejor me dicen “ese tipo de programas no”. Pero como Roberto tiene doctorado y aquí vale mucho el titulo, son como títulos de nobleza y pues lo respetan, así que pasó el proyecto, tratando de demostrar que va en serio, que es música seria, que se puede incluso promover y crear públicos.

Ahora con las nuevas tecnologías los chavos ya se familiarizan más rápido, se les hace ya normal escuchar este tipo de propuestas. Así surge “Más que el Ruido”, con Roberto en la producción y yo en la conducción.

¿Que se han dedicado a transmitir en “Más que el Ruido”?

Hemos procurado meter de todo pero que tenga que ver con tecnología, eso se lo aprendí mucho a Roberto. Él no está casado con un solo género, es compositor de música contemporánea pero le gusta mucho la salsa, la cumbia, los boleros y siempre nos ponemos a escuchar este tipo de cosas. En el programa a veces metíamos este tipo de música; yo a veces si me “friqueaba” y le decía: “Roberto, nos van a reclamar” y él “Mira, escucha ésta de Juan Luis Guerra, vamos a ponerla”.  -“Pero no tiene nada que ver con el programa”,  -“Ah no importa, la música es música”. Yo pensaba que nos iban a hablar para regañarnos y decirnos “defínanse, ¿es serio el programa?”. Pero bueno, siempre procuramos dar un contexto a la música que programamos en “Más que el ruido”, no es tanto poner por poner nada más. Nos preocupamos por dar desde datos históricos hasta formas de composición.

Y al final tratamos de darle un toque informal precisamente para que la gente se acerque a estos géneros musicales. Podemos poner mucho ruido, como algo de “noise” muy extremo que incluso decimos antes de ponerlo al aire “no vayan a pensar que se fue la señal, así es la pieza y es de un músico que tiene años haciendo esto, con una trayectoria muy importante”. Después para que se relajen vamos a escuchar esta pieza de Mike Patton haciendo música más seria, mucho más formal digamos, y así nos vamos. La idea es difundir el arte sonoro, en general.

¿En qué estilos musicales has incursionado?

Quise hacer música electroacústica pero creo que desde un principio me incline a la poesía sonora, aunque yo no sabía que hacia poesía sonora. También me involucré mucho con el radio arte porque entré a trabajar en radio y empecé a escuchar piezas de radioarte y entender este concepto.

El radioarte es arte sonoro que es “radiable”, podríamos decir. Que tiene elementos de radio. Son elementos concretos, que puedes reconocer. Desde una voz hasta el sonido de una puerta, un coche. Ese género no solamente los músicos lo pueden hacer, están involucrados sobre todo los productores de radio o artistas plásticos porque tienen cierta formación de arte sonoro. En aquella época a finales de los 90´s yo chocaba mucho con el concepto de música electroacústica que nos estaba enseñando Roberto y con el concepto de radioarte que estaba aprendiendo en RadioUG. Al final me fui por en medio hacia la poesía sonora. Cuando hice la pieza de Jaime Sabines, “La salvaje costumbre”, yo no sabía que era poesía sonora, sino música electroacústica o simplemente arte sonoro.

Algunos me decían es poesía sonora, otros me decían es radioarte. Ahí hay un rollo de los conceptos muy ambiguo, creo que hasta la fecha los expertos que se dedican a eso no tienen todavía muy definido, por eso se crea el término arte sonoro, para englobar todo.

Al final es arte y suena. La música electroacústica se le dice así porque es hecha por compositores que tuvieron formación académica y tradicional digamos, pero incorporan elementos electrónicos y sobre todo las obras mixtas que consisten en la combinar electrónica con un instrumento tradicional, digamos un violín, un ensamble, un pianista. También he estado haciendo cosas de poesía visual, radioarte y a veces instalación sonora.

¿Y la pieza que presentaste en el disco Contacto Quanax?

Lo pondría en la parte de poesía sonora aunque quise como variarle, darle la vuelta. Es un texto de Andrés Henestrosa, una poesía en zapoteco. Me gustó como sonaban las palabras en zapoteco e intenté meterle “glitch”, es decir, la estética del error con la computadora. Con propósitos estéticos, provocaba los errores sonoros/digitales. Escuché el texto y quise desfigurar toda la pieza, y esa fue la que propuse para el disco.

¿Y la pieza del WhiteNoise.Fest en DF?       

Con esa pieza quise verme más académico. Es una pieza electroacústica total, la titulé “El ruido de mi iPad al caer”, jugando con el título de la novela de Juan Gabriel Vásquez. Son unos sampleos que salvé de mi iPad cuando se me cayó. Se corrompieron los archivos y pensé “de aquí puede salir algo”.  Fue la pieza que envié a México, no me acuerdo con quien me programaron ni el lugar donde fue, pero Emmanuel me dijo que asistió mucha gente.

¿Qué les dirías a los entusiastas del Arte Sonoro?

Pues que le echen muchas ganas, que no se desanimen. Siempre habrá foros, grandes o pequeños, es cuestión de ser paciente y perseverante; por eso les ofrezco mi programa cuando quieran presentar cosas. Porque entiendo que uno puede llegar a desencantarse, ya sabes que el arte aquí en México no es muy bien reconocido o pagado. A lo mejor por un momento olvidar que no vas a vivir bien de esto, pero si decides vivir del arte, debes dedicarle tiempo completo, y es muy difícil en cualquier expresión artística dedicarte de lleno pues tienes que sacrificar muchas cosas. Les diría que se claven, que se apasionen, que enloquezcan; creo que de alguna manera la tienen más fácil con tutoriales en internet de programas como Supercollider y PureData. Puedes consultar y despejar dudas fácilmente contactando gente por Twitter o Facebook y dedicarle más tiempo.

Radioasta. Ingresó a laborar en 1996 a Radio Universidad de Guanajuato donde ha fungido como operador,  locutor de cabina, co-productor, productor, programador nocturno, técnico de grabación y de controles remotos. Ha recibido diversos reconocimientos nacionales e internacionales por sus aportaciones al radioarte. Miembro del Laboratorio de Informática Musical de la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato (1996-2001). Sus trabajos han sido programados en festivales y eventos internacionales.

Entrevista a Graciela Muñoz Farida en WhiteNoise.Fest [ex nihilo].

“Como artista sonoro la finalidad es buscar afuera los sonidos y trasladarlos a otro contexto”

Graciela Muñoz Farida

Ella fue la artista invitada de Santiago de Chile quien participó como exponente y conferencista en el WhiteNoise.Fest [ex nihilo], donde aparte de mostrar sus obras impartió un taller sobre el Arte Sonoro de su país.

Una de sus piezas mas significativas es El Sonido Recobrado,  investigación realizada en el campo de la etnografía sonora, esto es el registro de paisajes sonoros que después son llevados a otros contextos. Con el propósito de difundir y preservar los sonidos de lugares que están siendo amenazados con desaparecer a causa de la intervención del hombre. 

En esta pieza ella realizó expediciones a dos ríos. El primero es el caudaloso río Baker en la Patagonia chilena, ahí grabó el entorno, trabajando en los contrastes y reconfigurando el sonido. 

Graciela Muñoz

Este material fue trasladado utilizando un set de 28 altavoces de 4 pulgadas, 8 Ohm y 25 watts, al río Petorca, el cual nace en la cordillera de los Andes y desemboca en el mar, actualmente este río esta seco debido a la sobre explotación y usurpación del agua.

Graciela Muñoz

¿Cuál es  tu formación? ¿Cómo llegaste a ser artista sonoro?

Bueno, partí desde muy pequeña estudiando el violín en un conservatorio de música en Chile, ahí estudié análisis de la música, polifonía, armonía, contrapunto; una serie de cosas que desencadenaron en mí una inquietud y necesidad de estudiar composición. Luego estudié composición  hasta el año 2010 con el maestro chileno Andrés Alcalde.

Termino una etapa del violín, una etapa primera, paso a la superior, pero ahí entonces decido vincularme totalmente con la composición. Luego voy a Phonos en el año 2011 (Barcelona) con Andres Lewin-Richter trabajando en composición de música electroacústica. Es un laboratorio y tú puedes estar ahí gran parte del día trabajando en tu composición. Ahí compuse 4 piezas, una con audiovisual, dos mixtas y una acusmática.

En www.laboratoriodeartesonoro.cl hay algunas de mis piezas y otras están en Soundcloud en Graciela Muñoz Farida.

¿Porqué el termino electroacústica? ¿Porque no electrónica o acústica?

Acústico refiere a trabajos con instrumentos musicales digamos de la tradición, instrumentos musicales acústicos, una guitarra, una flauta, etc. o sonidos concretos como aquellos que escuchamos por ahí, en la cotidianeidad;  a partir de esos sonidos tu construyes, señales acústicas que se procesan.

Lo electrónico ya refiere a procesos de síntesis a partir de sintetizadores, software, etc., no refieren ya a señales acústicas, sin embargo en ambas estamos hablando de señales, señales sonoras procesadas analógicamente o digitalmente.

Hoy en día obviamente ha modulado su sentido. Te hablo de su origen. Yo diría que trabajo una mezcla de los dos.

¿En qué momento surge la experimentación con lo electroacústico en Chile?

Surge en la música concreta en los años 50’s, 60’s. Pero incluso antes, yo creo que con la creación de las primeras grabadoras ya se empieza a generar obra, en Chile por lo menos en los años 50´s se hizo la primera música concreta chilena. Fue utilizando un grabador muy precario que era de los primeros, pero en la época no era precario, era una gran modernidad. Entonces ellos lo que hacen es utilizar ollas, tapas, gritos, etc., para con esto generar sonido, así nació la primera obra concreta de Chile que se llama El Nacimiento, de León Schidlowsky.

¿Qué diferencia hay entre electroacústica y arte sonoro?

Por un lado, la música electroacústica yo creo que es un término y un modo de operar el sonido en la composición musical, por otro lado el arte sonoro es una cuestión en proceso, yo no quisiera definirlo. Incluso, lo que yo te diría es que no tiene definición y eso es lo que otorga libertad a muchos artistas para trabajar con la materialidad sonora desde diversos ángulos. Cualquiera, tú, yo, él o ella pueden ser artistas sonoros, sin tener formación musical, sin tener mayor conocimiento respecto del sonido o la acústica, simplemente por un gusto por el sonido y esa es una de las particularidades que tiene el fenómeno del  arte sonoro.

¿Cómo ves la escena de arte electroacústica en México?

Lo que he visto es un gran interés por lo digital, por la computadora en realidad, por la computadora en términos de programación, hay interés por las programaciones, el software, lo cual también se está viendo en todo el mundo, hay un interés por eso justamente por lo que te decía, porque el arte  sonoro abre la puerta a que cualquiera se interese por generar sonidos. Uno ya no se hace la pregunta ¿Esto es música o no es música? No, ya no cabe esa pregunta, y creo que esto está ocurriendo en México que tienen una tradición musical también larga y creo que han ido heredando algunos más que otros esta tradición. Entonces lo que he visto en estos días es que hay algunos que se sitúan dentro de la composición más escrita, algunas conformaciones mixtas electroacústicas o acusmáticas; hay otros que definitivamente han encontrado que en la programación está su búsqueda. Pero eso es independiente del rótulo que le queramos dar, cada uno busca su camino.

¿En Chile hay una tendencia más hacia lo electroacústico?

Chile tiene una gran historia en la música electroacústica, es uno de los primeros países en Sudamérica donde los compositores comienzan a generar obras de este tipo. En los 60´s hay un grupo, que hoy se le llama “La generación de los 60’s”, donde incluso algunos de ellos eran ingenieros que habían estudiado música y empiezan a construir sus propios sintetizadores.

Pierre Boulez viene desde Francia, a dar unas charlas, se junta con algunos compositores, empiezan a verlo y los chilenos se entusiasman con todo esto que ya venían desarrollando, entonces empiezan a crear laboratorios.

Lo de programación también está presente en Chile, y lo que dije en la conferencia, el arte sonoro.

¿Al grabar paisaje sonoro que tan importante es el silencio?

Bueno, John Cage ya lo dijo, el silencio no existe. El silencio es esto. En el fondo el silencio es tu silencio, entonces escuchas, es la desatención hacia uno mismo. En el paisaje sonoro resulta que cuando tú haces expediciones a terreno para encontrar algo que grabar tienes que poner total atención a eso que está aconteciendo ahí, ya no puedes estar escuchándote a ti mismo, estas ahí para escuchar ese contexto y recoger desde ahí los materiales que van a ser parte de tu obra, entonces lo que hacemos es escuchar. Claro eso es un silencio, está lleno de silencios, pero en general siempre hay algo latente, siempre está latiendo.

Alguna recomendación a los nuevos artistas digitales.

Trabajo y preguntas.

Graciela Muñoz Farida es una compositora electroacústica y artista sonora de Santiago de Chile. En el año 2011 estudió en Fundación Phonos, institución  pionera  en el ámbito de la música electroacústica con sede en Barcelona, España. Es integrante del Laboratorio de Arte Sonoro de Chile, en el cual colabora con centros de investigación, colectivos de arte, universidades, artistas visuales y sonoros de Latinoamérica y Europa.

Entrevista a Emmanuel Ontiveros en WhiteNoise.Fest [ex nihilo].

El WhiteNoise.Fest en su edición [ex nihilo] sucedió en la ciudad de Guanajuato del 18 al 22 de marzo del 2014. El público colmó cada uno de los recintos en donde fueron presentados los conciertos y obras de esta muestra de arte contemporáneo independiente. Un encuentro de compositores de música experimental y electroacústica, con Chile y Brasil como países invitados. Investigadores y creadores de nuevas brechas del arte sonoro. Ruido, sonido, vibraciones que incitan a meditar y transportan hacia el silencio interior.

Los lugares en donde aconteció el festival fueron el Museo Iconográfico del Quijote, el Auditorio Jorge Ibargüengoitia de la Casa de la Cultura, el Cabaret Voltaire y las instalaciones del Departamento de Artes de la Universidad de Guanajuato, en este ultimo fueron impartidos un taller sobre live coding y arte sonoro, mas dos conferencias, una sobre Sonología y la otra sobre Arte Sonoro en Chile.

Nuevos artistas, nuevas formas de arte, toda una corriente cultural alternativa, maestros, pioneros en la creación de extrañas armonías que nos llevan a espacios íntimos, personales, inexplorados por nuestra percepción cotidiana.

Emmanuel Ontiveros

“El sonido de la televisión cuando no está pasando nada, ese es el ruido blanco.”

   -Emmanuel Ontiveros

 

Al comenzar la muestra entrevistamos a Emmanuel Ontiveros, miembro fundador del Colectivo rorschach_3.0 y director de esta edición del festival.

¿Qué es el WhiteNoise.Fest?

Es un festival de música contemporánea y experimental que surgió hace dos años en la ciudad de México, fue fundado por el colectivo WhiteNoise; el cual está integrado por Alejandro Franco, Iván López, Raúl Dávila y Sebastián Velasco Sodi.

Ellos realizaron la primera edición de este festival en el Centro Nacional de las Artes (CENART) con conciertos en la Escuela Superior de Música, abrieron una convocatoria para los interesados en participar, eso fue en el 2012; ese año fuimos a participar en uno de los conciertos con rorschach.

La segunda edición del festival este año tuvo como sedes la Fonoteca Nacional, el Huerto Roma Verde en la Ciudad de México y la ciudad de Guanajuato. Aquí en Guanajuato lo organizó el ensamble rorschach_3.0, que somos Paúl León Morales, Ricardo Durán y yo. Desde luego con el apoyo de todos los artistas participantes del festival, ya que si no fuera por ellos muchas cosas no hubieran sido posibles. Por lo que agradezco infinitamente al Ensamble A Tempo, a Enrique Eskeda, Ana Cervantes, Rodolfo Ponce Montero, Iván Manzanilla, Jacobo Cerda, Carlos Arreguín, Capital Voltage, Urdrone y otros compositores que vienen de otras ciudades como Jorge David García de la Ciudad de México, Omar Ernesto Guzmán Fraire, él es un compositor de Guadalajara que vive en Aguascalientes. Víctor Taboada compositor sinaloense, Pablo Rubio y Edgar Guzmán de Querétaro, de quien por cierto se estrenará una obra.

Hay aproximadamente 8 estrenos, obras que se hicieron expresamente para la edición del festival en Guanajuato la cual tiene como subtítulo: ex nihilo. Esta parte del festival está dedicada a la memoria de Héctor Quintanar quien fue un personaje muy importante para la música electroacústica en México debido a que fue de los primeros compositores en nuestro país que se interesó por la electrónica y fundó el primer Laboratorio de Electroacústica en México, DF. Estuvo muchos años en Guanajuato, fue director de la Orquesta Sinfónica y maestro de algunos de los integrantes de rorschach, por lo tanto consideramos pertinente este homenaje.

¿Cómo se gesta la escena de música experimental en la región?

En realidad en Guanajuato hay una larga historia de música contemporánea, experimental y electroacústica debido a que existió desde hace muchos años el Festival Callejón del Ruido que fundó Roberto Morales al lado de Carlos Vidaurri. Roberto lo mantuvo durante varios años y algunas ediciones fueron dirigidas por Quintanar. Últimamente ya no se ha realizado pero el punto es que ha habido un trabajo constante de música experimental y electroacústica contemporánea en Guanajuato. También con la sección del Festival Cervantino, el Ciclo de Música Contemporánea, fundado y dirigido por Ramón Montes De Oca. También existen muchos otros esfuerzos independientes.

Pero volviendo a que el Callejón del Ruido tiene como 2 o 3 años que no se realiza, nosotros como compositores sentimos la necesidad de estar activos presentando obras, hacer conciertos, de trabajar con los músicos locales y de otros estados con la finalidad de crear redes y activar la colaboración. Principalmente de ahí surge mi necesidad o mi interés de hacer esta edición del festival en Guanajuato ya que, el año pasado estuve viajando mucho en ciudades como Yucatán, Cd. de México, Puebla, Aguascalientes, Monterrey, pues es la manera en que he estado presentando mi obra y promoviendo los proyectos de compañeros, de colegas y así generar una escena más rica en compositores, ensambles y solistas.

Sobre tus presentaciones mas recientes en DF.

Estuvimos con rorschach en el Centro Multimedia del CENART en el marco del Simposio Internacional de Música y Código /*vivo*/, ahí tuvimos un concierto. También el año pasado estuve en el Centro de Cultura Digital, donde presenté un concierto en colaboración con Paulina Pérez Santaella, ella toca bajo y guitarra, hace música punk y experimentación. Preparamos algunas cosas donde ella tocaba su bajo, la guitarra y yo toqué el violín, todo el tiempo procesando el sonido en la computadora.

¿Qué les toca hacer a los compositores para transmitir nuevas tendencias culturales?

Yo creo que es una cuestión personal, hay compositores que hacen su obra y no les importa si le gusta a alguien, vaya eso no es relevante, más bien no les interesa mucho si se toca o si muchos la escuchan, hay quien quiere que la escuche mucha gente y organizan conciertos. A mí me interesa que se toque por supuesto y más que nada me interesa quitarle esa cosa acartonada. Me gusta la música de concierto, de cámara y hay lugares para eso, pero también me interesa llevar la música a lugares informales como por ejemplo en un bar o foros donde no se acostumbra hacer este tipo de conciertos. El concierto de clausura va con esa intención, que más personas se acerquen a este tipo de música porque hay a quienes de plano les da hueva meterse a un teatro, de ahí nuestra idea de llevar el concierto de clausura al Cabaret Voltaire, para que la gente este a gusto echándose una chela y pueda escuchar lo que ofrece el festival.

Así que eso ya es una cuestión personal, a mi me interesa por ese medio acercar a la gente que probablemente le puede gustar mucho pero a veces no se animan a entrar al teatro o al museo, entonces la idea es llevar el festival a lugares informales.

¿Platícanos que obras se presentarán en los conciertos y la clausura?

El primer concierto se titula [ex nihilo]. Se llevará a cabo en el Auditorio Jorge Ibargüengoitia de la Casa de la Cultura, la interpretación de las obras acústicas que se presentan está a cargo del ensamble A Tempo dirigido por Enrique Eskeda. Este ensamble está conformado por estudiantes y egresados del Departamento de Música de la UG. La mitad de las obras son acústicas y la otra mitad acusmáticas, entre las acústicas hay obras de Adalberto Tovar, Enrique Eskeda, Claudia Teresa Martínez, Edgar Guzmán, y las obras acusmáticas son de Víctor Taboada, Tito Rivas, Omar Ernesto Guzmán Fraire y Graciela Muñoz Farida que es la compositora invitada de Chile.

El segundo concierto titulado Paucal en el Museo Iconográfico del Quijote, será una sesión con más variedad en cuanto al tipo de obras, por ejemplo una obra mixta de Héctor Quintanar titulada Diálogos que es para piano y electrónica, interpretada por Rodolfo Ponce Montero. Otra pieza de Ramón Montes De Oca que es para piano solo, la toca Ana Cervantes. También una obra electroacústica de Ricardo Durán para percusiones, es una pieza con tecnología, funciona con un Kinect que captura los gestos del percusionista con los que procesa el sonido que este genera; es arte interactivo y la toca Iván Manzanilla. Hay una pieza mía que se llama Doppler, es guitarra y electrónica en sistema cuadrafónico en tiempo real, será interpretada por Carlos Arreguín. La obra de Jacobo Cerda que es para piano, electrónica y video, él toca el piano y Cosa Rapozo hace el video. Hay una obra de Jorge David García, en la que utiliza un megáfono y electrónica. También hay una pieza multicanal de Andrés Gutiérrez y un live coding de André Damião, compositor invitado de Brasil.

Sobre el uso de nuevas tecnologías y el arte interactivo.

Es una de las maneras de hacer arte que en lo personal me interesa mucho. Con rorschach nos gusta trabajar mucho la música acústica pero también la improvisación con electrónica y tecnología, en lo personal es algo que me ha interesado desde hace algunos años. Inicié a trabajar con esto y a presentar obras en público en el 2008 y digo a presentar obras porque al principio debes aprender a usar las herramientas y después necesitas adaptarlo a tu lenguaje,  a veces el proceso es tardado, dependiendo de las habilidades y el trabajo de cada quien. Desde entonces he trabajado con nuevas tecnologías y he seguido hasta el momento. Creo que una de mis obras que más éxito ha tenido por decirlo de alguna manera es SINAPSIS TRIpartita, es una obra para una bailarina, electrónica y video interactivos. En este proyecto colaboré con Thomas Sánchez Lengeling en la parte tecnológica.

Debido a esto una parte importante del contenido del festival es relacionado con la tecnología, como las obras de Andrés Gutiérrez, Omar Fraire, Ricardo Durán y Capital Voltage, que es un grupo que hace música electrónica con sintetizadores analógicos y estarán en la clausura en el Cabaret Voltaire.

¿Qué más nos quieres compartir?

Esperen mas después del festival porque esto no termina aquí, esto es el inicio de muchas otras cosas, rorschach ha estado presentando trabajo desde el 2007, casi 7 años, y seguimos cocinando cosas nuevas así que esperen lo que viene.

Emmanuel Ontiveros es un artista y compositor guanajuatense especializado en arte sonoro, experimental e interactivo, egresado de la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato desde 2007 realiza una investigación sobre el uso de nuevas tecnologías aplicadas a las artes. Su obra ha sido presentada en diversos festivales de música contemporánea en América y Europa.

Entrevista a Uriel Orozco en Amalgama.

Lo que se escuchó esa noche en Amalgama fue una compilación de dub, algo que Uriel Orozco tenía guardado en la lista de downlowds que ha ido coleccionando en su computadora. Él es un músico y compositor contemporáneo leonés integrante de proyectos de línea internacional como: Pilaseca una banda de funk psicodélico con quienes ha tocado en el Vive Latino 2009, Cumbre Tajín 2012 y diversos escenarios en México, Guatemala  y Estados Unidos. En estudio ha trabajado al lado de Thom Russo quien fue el productor del más reciente disco de Pilaseca “Mi suerte cambió”. En 2009 crea junto con Zain Cervantez a Robot Junkie Paradise un proyecto indie de rock avant garde y ritmos electrónicos.  En 2012 realiza junto con Cristóbal Plascencia la música original para la película mexicana Más Amaneceres galardonada con mención honorífica en el Guanajuato International Film Festival. Actualmente colabora como productor en el El Bedroom un estudio y laboratorio de música electrónica en la ciudad de México.

Uriel tienes más de 15 años en la música…

…Empecé tocando en una iglesia, después me hice cargo del coro y cuando me cambio la voz dejé de ir, perdió solemnidad el asunto. En mi adolescencia comencé a amenizar eventos y a tocar en cualquier lugar donde pudiera aprender más, fue entonces que me encaucé en lo que me gusta realmente, la música americana, el blues, el jazz; en el camino he decidido tomar diferentes estilos, de todo tipo y sobre todo me he acercado a la música electrónica al utilizar teclados y sintetizadores tanto análogos como digitales.

 Me considero una especie de  monstruo de dos cabezas. Una quiere ser un pianista tradicional de jazz, tradicional en el aspecto de explorar todos los géneros del jazz como cualquier  pianista que toma esa carrera; no considero que he llegado a serlo pues sigo estudiando pero sé que estoy en el camino. Y está la cabeza tecnológica y aficionada a la innovación, ahí quiero explorar más, creo que finalmente en algún momento van a poder conectarse las dos.

Uriel Orozco

Estuviste con Pilaseca hace poco en Nueva Orleans…

Nueva Orleans es un lugar de mucha fiesta donde han convivido culturas muy diferentes. Ya sabemos que ese fue el lugar de entrada de mucha gente de raza negra quienes al alcanzar su emancipación pudieron expresarse libremente y así fue como se dio origen a muchas expresiones culturales y probablemente gracias a eso haya existido el jazz.

La escena…

Creo que la escena local está creciendo, siempre hay información nueva  y parece que ocurre una temporada agitada. Es ahora cuando todo mundo tenemos un acceso a la información tan importante, tan fuerte, que van a crecer muchos  proyectos. Creo que musicalmente estamos al nivel  de cualquier otra ciudad importante y viene una nueva camada de gente que trae ganas de hacer arte y ahora es suficiente con un software de grabación.

¿Qué software utilizas?

He utilizado cualquier tipo de secuenciador de audio digital como: Audio Workstation, Pro Tools, Cubase, Logic, de acuerdo a lo que se requiere en cada proyecto. Puede existir un software que te llama la atención y ser útil. Últimamente estoy al 100% utilizando Ableton Live, es un programa alemán que ya tiene 14 años existiendo,  aunque ahora ha tomado más fuerza y es bastante difundido entre los productores de música electrónica.

Tu proyecto…

Quiero terminar un disco que he tenido ganas de hacer desde hace mucho tiempo, pero no tenía la claridad en el concepto, creo que ahora estoy llegando por fin a lo que quiero mostrar, espero este año tenerlo patente en disco para que lo podamos escuchar, aunque no sera un disco material, estará en la red de manera digital.

Software libre…

Creo que sería muy interesante explorar todo lo que se puede hacer a través de la nube, ahora no tienes que estar metido en un lugar en especifico con un equipo especifico, simplemente existen más herramientas estandarizadas, las cuales puedes descargar de un servidor. Incluso un sitio web te da la ventaja de ofrecer cosas nuevas y actualizadas al instante, alguien más lo puede estar alimentando y tú obtienes esas herramientas en Internet.  Ahora gracias a que el Internet es más veloz cada vez se darán más las colaboraciónes online,  que involucren a gente de continentes diferentes.

A los nuevos creadores…

Publiquen todo su trabajo, no dejen que se quede en su dormitorio,  hagan todo lo necesario para darlo a conocer.

Fotografía: Jordi Rábago

Charles Modulation en Amalgama.

Charles Modulation es un compositor de música electrónica que combina el uso de sintetizadores digitales con instrumentos clásicos para crear un sonido inteligente. También él forma parte de la Amalgama de creadores presentados en La Expendeduría con su obra Train Window, un EP producido bajo el sello Suplex de Abolipop Records en cuya página se puede descargar su material de manera gratuita.

Platícanos sobre tu visión del movimiento electrónico…

Nací en el norte, en Saltillo, Coahuila, y tengo 12 años viviendo en León aproximadamente. Desde temprana edad me interesó la música. Cuando llegué a León me di cuenta  que existe un poco mas de escena, ahí conocí a otros músicos y música de diferentes lugares gracias a Internet. A los 17 años fue cuando me atrajó más la música electrónica y decido  trabajar en ella también de un modo más formal. Ahora tengo 26 años.

En León, en especial en León creo que la escena es bastante joven pero existen más proyectos en comparación con otros lugares, varios de ellos ya se conocen en otras ciudades y reciben invitaciones, por ejemplo Fraktal Terrorist. Aunque principalmente la escena se necesita difundir a más público, creo que el apoyo del público es indispensable y existen músicos talentosos a quienes seguir. Tal vez  existe más movimiento en la escena dance como en los raves y menos en la escena electroacústica. Creo que el interés del público es lo que hace falta.

Me gustaría que esto siga creciendo, que haya más eventos, mayor difusión y mayor interés del público, es la base para que funcione, que la gente se interese en conocer.

Tus estilos de música…

Géneros como el ambient y también el IDM (Intelligent dance music), bueno así etiquetaron mi música. Yo creo que va por ahí, es una buena etiqueta.  Los clásicos como Tangerine Dream, Bryan Eno, el rock progresivo de los 70´s como el Krautrock Alemán o grupos como AIR, también me han influenciado.

Me interesa desarrollar mi proyecto y tener la oportunidad de presentar mi música en otros lugares. Me invitaron a participar en Amalgama con mi primer EP Train Window que acabo de presentar en El Piso una galería en León Guanajuato. Aquí en La Expendeduría lo escucharon, les intereso por la estética de la música y me invitaron a participar  en el libro.

¿Tu EP Train WIndow es independiente?

Pertenece a una disquera independiente tapatía que es Abolipop  Records Suplex.  Ellos me invitaron pues había editado con ellos una compilación. Yo compuse el disco y Diego Martínez de Lumen Lab lo masterizó y editó, también me ayudo con la cuestión grafica, la portada del disco el mismo la hizo.

Alguna idea que quieras compartir con los talentos emergentes.

Dos valores importantes: Trabajo y perseverancia.

Charles Modulation

 

Fotografía: Jordi Rábago

 

Amalgama. La Expendeduría. San Miguel De Allende. 11.01.2014

Amalgama es el nombre de la reapertura de un espacio.  Un espacio de difusión cultural en donde se ha dado oportunidad a artistas plásticos, literarios, músicos y cineastas para exhibir sus creaciones y realizar exposiciones, talleres, muestras de cine, entre muchos otros eventos. Amalgama es un medio para acercar a la gente a la cultura en San Miguel de Allende una ciudad donde  se respira  arte.

 En este lugar fue donde Uriel Orozco y Charles Modulation ambos artistas contemporáneos compartieron con DigitArt Mx sus ideas y proyectos. También hablamos con David Barajas, Cofundador y Codirector de La Expendeduría quien nos hablo sobre la intención de Amalgama.

Entrevista a David Barajas. Cofundador y Codirector de La Expendeduría.

David B

 

¿De qué se trata Amalgama?

Lo que estrenamos hoy es Amalgama, estamos inaugurando el  4to  trimestre  de este primer año de La Expendeduría que es un proyecto que empezamos hace 14 años y ha tenido diferentes etapas. Empezó como Arte Nuevo, un proyecto digamos más convencional de una galería con cuadritos colgados en la pared. Después en el 2008 se convirtió en el EPPCI (ESPACIO PARA PROPUESTAS CREATIVAS INDEPENDIENTES), que se convirtió después en Fundación EPPCI A.C. una asociación civil por medio de la cual trabajamos, la idea es generar diferentes programas, proyectos, actividades, etc., en pro de la cultura en San Miguel de Allende.

Empezamos en marzo del 2013 con un proyecto en el que lo que hicimos fue juntar autores para lograr una interacción con el público, la gente pensó que era un proyecto más convencional  pues lo que más nos ha costado trabajo a nosotros es quitarnos esa etiqueta de galería cuando lo que buscamos es algo más, es el diálogo, un dialogo muy horizontal, y  al decir gente me refiero tanto a autores, como  a  las autoridades culturales (galeristas, curadores, museógrafos),  es toda la gente que participa aquí, que en general es la sociedad de San Miguel de Allende.

Este proyecto de la Expendeduría ha tenido diferentes etapas y todos los proyectos que hemos exhibido son una búsqueda. Con este proyecto de Amalgama, se ha conseguido buena parte de esta intención, que es el diálogo, presentamos a más de 40 autores entre los que participan sociólogos, humanistas, críticos de arte, artistas plásticos, visuales, artistas de teatro, músicos, con un proyecto independiente.

 

Amalgama libro3

 

Precisamente Amalgama es eso, se busca una amalgama en varios sentidos, el primero es buscar esa amalgama entre los contenidos, buscamos generar una plasta de contenido, algo muy parecido a lo que sucede en la web 2.0. La web 1.0 es esta primera etapa en internet en la que solamente estaba el internauta que participaba como lector, como receptor algo así como la televisión. Después en la 2.0 se genera esa posibilidad en la que el internauta, puede participar, generar contenido. Amalgama en realidad es una analogía muy directa a los blogs, a las redes sociales. Una plasta de contenidos que sobre todo más que ser leídos, busca ser intervenidos, quitarnos la idea de que los artistas son los que generan la cultura. La cultura es lo que pasa fuera de las galerías de arte; hay un conflicto en el entendimiento del arte y la cultura; son cosas completamente diferentes. Aunque la cultura es la que define al arte, muchas veces el arte parece no tener cultura, una contradicción, y la cultura no tiene porque tener arte, ya que el arte es una de las mil cosas que conforman la cultura.

Amalgama busca generar una plasta de contenidos para que la gente se los apropie, no ves una obra de arte sobrevaluada en un muro blanco con todos los reflectores encima, sino que el arte esta en una hoja, en otra hoja, en otra hoja, que es lo mismo que en el Internet al dar scroll con el mouse e ir leyendo contenidos.

Esta noche se estrenan 3 de las 20 copias que se generaron de esta primera edición de Amalgama Archivo 01, de estas 3 copias que sucedieron aquí en este contexto muy específico que es La Expendeduría, San Miguel de Allende, centro histórico, Insurgentes. También va a haber otras 17 copias que se van a presentar cada una en diferentes contextos. Aquí suceden cosas muy obvias, viene gente predispuesta a un espacio cultural sin embargo lo que a nosotros nos interesa más es lo que se va a generar en otros entornos como en la calle o en un reclusorio. La gente puede ser mas espontanea, no solamente hacer un comentario por un ladito de la imagen, sino tal vez intervenir y destruir la imagen o crear diferentes cosas. Básicamente eso es el proyecto de Amalgama que estamos presentando hoy.

Amalgama libro2

 

Sobre las artes digitales.

Yo creo que el elemento básico de cualquier artista y cualquier autor es el discurso, muy aparte el soporte que decida. El Arte Digital afortunadamente tiene muchísimo más alcance, por eso buscamos proyectos de construcción cultural más que crear productos mercantiles o productos comerciales. Tenemos buenos artistas audiovisuales que han colaborado con nosotros. Hay un proyecto que se llama Contextos Simulados. La reproductividad como simulacro la simulación como desmaterialización de la realidad.  Es un proyecto con tres acciones performáticas, que se hacen aquí en la Expendeduría y la idea final es que se generen tres archivos reproducibles que hemos estado exhibiendo en diferentes contextos, para que la gente cree lecturas diferentes sobre algo que sucedió. Son actos que se crean con la idea de ser públicos, de que la gente interactúe, que sea todo muy abierto. Aunque creo que el performance como tal corresponde a otro tiempo, en este caso es un acto en vivo que se hace precisamente para ser difundido de manera digital.

El proyecto de Amalgama es producción, comunicación, y recepción cultural. La parte de comunicación creo que es más importante pues es lo que le hace falta a la actual construcción cultural.

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Fotografía: Jordi Rábago

La digitalización como discurso contemporáneo del fin del arte.

“Que el artista no trabaje dentro de los límites permite refrescar las propuestas y tener resultados novedosos”.

       Arq. Arturo Joel Padilla Córdova.

El viernes 6 de septiembre de 2013 el Maestro Arturo Joel Padilla dio una charla dentro de las conferencias impartidas en el XVIII Festival Internacional de Arte Contemporáneo de León. El tema fue “La digitalización como discurso contemporáneo del fin del arte”, donde expuso la evolución del arte y los medios digitales; profundizando en proyectos artísticos enfocados a la cibernética, simulación, modificación de código, esculturas virtuales, animación, artivismo, net.art y software art. Algunos de estos proyectos incorporan el aprendizaje de lenguaje algorítmico para la codificación de mundos responsivos simulados digitalmente, como el trabajo de Jeffrey Shaw “La Ciudad Legible”. También mencionó que el artivismo es una manera de abordar el arte desde una perspectiva con compromiso social, lo cual podemos encontrar en exponentes como Eva y Franco Mattes o The Yes Men.

Al terminar la charla el Director del Fórum Cultural Guanajuato contestó algunas preguntas sobre el tema.

Digitalización

Arturo Joel Padilla. Director del Fórum Cultural Guanajuato

D. ¿Cuál es la escena del arte digital en nuestro país?

Arq. Arturo Joel Padilla. Hay posibilidades, están marcando la pauta los productos comerciales, los softwares, la tecnología de las redes sociales y los medios electrónicos. En México realmente nos estamos sumando a ellos y lo estamos haciendo bien, sin embargo las estructuras se establecen para poder agregarnos, no armamos nuestras propias estructuras  y las posibilidades que encontramos para poder trabajar con alta tecnología en la digitalización son importantes aunque muy limitadas.

D. ¿Cuál es la tendencia de los artistas digitales actualmente?

A.J.P. Existen muchas propuestas artísticas anónimas importantes, los artistas virtuales que trabajan la simulación y la estimulación de las formas, son artistas que no se dan a conocer y al hacerlo el sistema los absorbe. Van en contra de la comercialización, más bien quieren incorporarse a una forma de poder estar presentes en las redes sociales con un avatar, una figura completamente distinta a la de ellos.

D. El arte digital, en comparación con el tradicional ¿en qué medida transgrede los límites?

A.J.P. Es una vocación del artista transgredir los límites, sin embargo es más claro en el arte digital, porque los límites técnicos los va traspasando permanentemente. Lo vemos en los hackers quienes inventan virus para alterar software y lo que buscan  a través del arte es impactar.

Vivimos en una sociedad estimulada, si no nos estimulan parece que no reaccionamos. Necesitamos estímulos en el cine, en la vida de todos los días, si no es alta definición entonces la película nos parece aburrida. Somos una sociedad del espectáculo, excitada permanentemente pero también más anestesiada, el estímulo que se necesita es mayor. Llega a plantearse si quitarle la vida a un ser humano es arte, obviamente esto no está en discusión, nos damos cuenta que hemos llegado al extremo y el artista no puede transgredirlo.

Digitalización

D. ¿Qué mensaje envía a los nuevos artistas digitales?

A.J.P. Personalmente creo que tenemos que mezclar la tecnología con el humanismo, es una mezcla hermosa. Si nos vamos exclusivamente por generar estímulos terminaremos siendo seres humanos insensibles. Tenemos que combinar la tecnología, no hay que negarla hay que adoptarla, pero hay que también adoptar el humanismo; es una mezcla que parece ser aún no asumimos. Nos subimos a la tecnología en todas sus posibilidades pero nos separamos mucho de quién es Joyce, Verdi, Cortázar, los tradicionales que de alguna manera han dado una estructura a nuestro presente, tenemos que crear un equilibrio.

D. ¿Hacia dónde cree que nos lleve el arte digital?

A.J.P. No lo sé, es como una ventana en la computadora, abres una y te lleva a otra y esa a otra más y tienes una multiplicidad de ventanas, así que no lo sé, lo que me gustaría como deseo es que adoptemos la tecnología con un profundo humanismo.

El Arquitecto Arturo Joel Padilla Córdova es en 2013 Director General del Fórum Cultural Guanajuato. Nació en León Guanajuato en 1964; egresado de la facultad de Arquitectura de la Universidad de Guanajuato, generación 83-88. Estudió la maestría en Restauración de Sitios y Monumentos en la facultad de Arquitectura de la Universidad de Guanajuato, generación 88-90. Obtuvo el grado en 1995 con la tesis “Rehabilitación de la Ex cárcel Municipal de la ciudad de León, Guanajuato para albergar las instalaciones de un Centro Cultural”. Actualmente estudia el doctorado en Artes en la Universidad de Guanajuato con la tesis doctoral “Disolución del objeto artístico en el arte contemporáneo”.

 

OFFF MÉXICO 2013

El Arte Post Digital involucra múltiples disciplinas, entre ellas están las artes visuales, la escenografía, el video, la fotografía, la programación y el uso de nuevas aplicaciones tecnológicas, que dan pie a la exploración de nuevas formas de arte. La configuración de estas especialidades en un formato digital en combinación con métodos tradicionales de ilustración y montaje son utilizadas para crear universos alternos en el vórtice virtual. El Festival OFFF México 2013 realizado el 15, 16 y 17 de agosto en el Auditorio Blackberry en el Distrito Federal se encargó de ampliar nuestra visión sobre la escena internacional de arte post digital.

Realidades enteras son creadas en los estudios de artistas y colectivos como Daito Manabe, Kyle Cooper, Jessica Walsh, Julien Vallée, Martha Cerda, Atelier, Realität, Sougwen, Serial Cut, Moment Factory, entre otros. Todos ellos exponentes en este evento que conjugó a algunas de las mentes más sobresalientes de esta corriente cultural. Las áreas de publicidad y marketing son principalmente el fin práctico de estos creadores, ya que generan el capital necesario que permite al artista el desarrollo de su enfoque creativo personal. Por otra parte, usar las nuevas tecnologías enfocándolas no solamente a la industria o a los servicios sino también al arte, nos da otro tipo de acercamiento a las maquinas, las cuales consideraríamos frías e inertes al no brindarnos un estimulo que transmita una emoción o sentimiento, aquello que el creador trata de transmitir.

Este festival internacional durante 13 años ha sido fuente de inspiración para las nuevas generaciones de creadores, artistas y fanáticos del arte post digital. Realizado antes en lugares como Barcelona y Lisboa, ahora por segunda ocasión tocó a México Distrito Federal ser sede de este encuentro, que contó con expositores de España, Canadá, México, Estados Unidos y Japón; reunidos durante un fin de semana para transmitir las nuevas ideas de la revolución digital. Se hizo palpable el acercamiento entre regiones, los tiempos se hacen rápidos y las distancias más cortas gracias a la tecnología.

Offf Mex 2013

Para alguien que comienza a involucrarse en el arte post digital, el OFFF MX 2013 y sus conferencias con tan destacados creativos, es como sumergirse en las aguas bautismales de esta secta de visionarios y amantes del futurismo que cada día gana más adeptos en todos los rincones de la web.

Entre los gurúes de esta iniciación destacó Kyle Cooper (EUA) quien cerró el OFFF con una sesión proyectando sus mejores trabajos como diseñador de algunos de los créditos de films más vanguardistas que en Hollywood se han presentado, como Seven (1995), Iron Man (2008), Spider Man (2002), Dawn of the Dead (2004), Tron: Legacy (2010), entre otros. Su mensaje fue “do what you like to do until they pay you to do it”.

Kyle Cooper

Kyle Cooper- Offf México 2013

Daito Manabe (Japón) nos dejó perplejos con su genio en el uso de interfaces visuales que mapean en sincronía con mecanismos ensamblados al cuerpo del performer. Otro de sus proyectos es el uso de pulsiones eléctricas en el rostro de voluntarios para replicar movimientos de la cara de un sujeto prueba, en este caso el propio Manabe, quien se ganó los aplausos de sus fans al presentar cada proyecto. Fue él quien más información mostró sobre nuevos dispositivos y software que él y su equipo han desarrollado e invitó a los artistas emergentes a no desesperar, enfatizando que sus proyectos rindieron frutos ya en su madurez creativa.

La brecha entre análogo-virtual-digital se estrecha cada vez más para modificar nuestra realidad y llevarnos a nuevas percepciones y dimensiones.

Juan Manuel Escalante (México) fundador de Realität,  explicó con  estilo profundo su visión sobre la era post digital:

Nos encontramos como en un sueño asimoviano en el que no sabemos que termina o que comienza. Hablamos de la era post digital en este sentido:  aún nos maravillamos con los adelantos tecnológicos, vivimos con la certeza de su existencia pero sabemos también que existen muchos paradigmas que serán renovados. Nos referimos a la era post digital no solamente como una etapa consecuente a la digital, sino como el final de lo que no fue digital, sabiendo que los tiempos verdaderamente excitantes están por llegar.

Uno de los proyectos que lleva a cabo esta compañía se llama Microsonic Landscapes, que es una exploración algorítmica en la música. Una impresión en tercera dimensión de ondas sonoras, transformando el sonido en materia y espacio, lo oculto en algo visible. Este proyecto ha recibido gran cobertura en la prensa internacional. Realität es una muestra más del talento mexicano en la escena cultural post digital.

“La revolución digital ha terminado y los dígitos ganaron. El arte y la cultura siguen el cauce de la era post digital. El mañana es hoy y nos toca ser portavoces de los cambios culturales provocados por las nuevas tecnologías. Es momento de alejarse del virtuosismo técnico y visualizar el arte de otro modo, utilizando la intuición como saber profundo. La caída de fronteras, la destrucción de barreras, la ampliación de nuestra empatía, la estimulación a distancia de nuestros sentidos, todo esto para la evolución de la creatividad e inteligencia humanas”.

Realität se integra por filósofos, ilustradores, diseñadores, cineastas y artistas trabajando sobre una plataforma de códigos de programación.

Jessica Walsh (EUA), quien colabora con Stefan Sagmeister reconocido diseñador gráfico, para juntos formar Sagmeister & Walsh una firma de diseño ubicada en NYC. Entre sus proyectos destacan Kacheek, una plataforma que muestra a los niños como crear un web game a través de la interacción con un personaje. Es un juego online creado en formato CSS en el cual se dedica un espacio a un tutorial que muestra a los usuarios como desarrollar su propia interface, su alcance fue de 42,000 usuarios.

Afirma basar su creatividad en la libre generación de ideas, en donde el proceso de trabajo es parte esencial de la pieza de arte. Divirtiéndose, jugando y experimentando mientras se concentra en el desarrollo de la pieza. Poniendo reglas y rompiéndolas para después crear nuevas formas de juego. 

“We are the future because we are creating it”.  Jessica Walsh

Julien Vallée (Canadá) realiza un trabajo experimental con objetos cotidianos que hace interactuar entre ellos desde otras perspectivas y bajo nuevos significados mostrando resultados inusuales.  En su galería predominan videos en stop motion de alta calidad, grabaciones de baja definición e instalaciones de papel. La creatividad de este diseñador se  plasma en cada una de sus piezas donde es inevitable ver la diversión con que son creadas.   Su mensaje lo centra en la frase “make work into play”.

Aimée Campos Directora Artística del festival OFFF  y Directora General de OFFF Atelier, un centro educativo dedicado a la innovación en el campo del diseño y las artes visuales con base en Barcelona, presentó un discurso sobre los valores que el OFFF trata de transmitir en el arte post digital como actividad profesional.

Aime Campos

“Feel free to steal (ideas) if you can take them really further, but don’t just steal” –Bjarke Ingels.

“Al salir de la Universidad, no todos los creadores se enfrentan a trabajos creativos reales, de ahí surge la necesidad de emprender proyectos autónomos que atraigan la energía de los artistas”.

“Sharing & working together will increase your knowledge”.

“Your work will be as good as your ambitions”.

“Passion is more important than talent”.

“Todos somos un director de arte”.

“Experimenta, sé radical”.

“Be honest, be brave”.

– Aimée Campos.

Festival OFFF tiene sede en Barcelona, España y se ha presentado desde el año 2001 en ciudades como Paris, Nueva York, México D.F., Lisboa y Valencia. En él se realizan conferencias, talleres, instalaciones, fotografía creativa, sesiones de música experimental y digital, demostraciones multimedia y exposiciones enfocadas a la difusión del diseño gráfico, la comunicación visual, el arte digital, la música electrónica e imagen en movimiento. Cientos de artistas de todo el mundo se reúnen para realizar un trabajo creativo con la experimentación y discusión de las últimas tendencias en el mundo post digital.