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En esta edición de Data Review conoceremos a ciertos artistas multimedia, enfocados hacia terrenos musicales/sonoros, que considero pueden resultarles interesantes.

ATSUHIRO ITO

(Japón)

Atsuhiro Ito+ Diamond Version (Alva Noto+Byetone) en Sónar.

Aunque no existe demasiada información biográfica de Atsuhiro ito, la trayectoria de este artista multimedia comenzó a finales de los 80’s, concretamente, en sesiones de improvisación visual donde comenzó a utilizar lámparas fluorescentes en sus instalaciones, de ahí surgió la idea de la construcción del Optrum, un dispositivo hecho a partir de una lámpara modificada (con algunos switchs,perillas y sensores) y que utiliza en conjunto a un buen banquete de pedales y demás procesadores de efectos. Sospecho que la forma en la que funciona es similar al de un spring reverb,ya que en sus presentaciones deja ver que el instrumento en cuestión es un tanto percusivo, lo cual activa algún tipo de componente ó sensor con el cual produce ciertas señales de audio para su posterior procesamiento. A su vez el on/off audiorítimico que produce la luz de la lámpara es un espectáculo completo, minimalista, crudo.

En el video que dejo a continuación (perteneciente al canal Tokyo Experimental Perfomance Archive) podemos ver con más claridad la ejecución del Optrum en compañía de su set de pedales y una caja de ritmos clásica de presets  vintage, ademas de otros dispositivos. Existe solo uno par de sitios que proveen información concreta sobre él y su obra, en DISCOGS donde podrás ver su material discográfico publicado y proyectos paralelos y en el super básico sitio web de IMPROVISED MUSIC FROM JAPAN. Por ahí incluso existe un comercial para Sony Walkman, con el cual le conocí hace ya varios años.

 

LAETITIA MORAIS

(Francia)

Graduada de la Universidad de Bellas Artes de Portugal como pintora formalmente, tomó cursos extra en la Universidad de Bellas Artes de Castilla-La Mancha (España) enfocados al arte sonoro y video, lo cual sentó las bases de su trabajo multimedia en visuales, en el cual podemos encontrar un amplio repertorio de videos procesados mediante código, así como de estructuras minimalistas que danzan al unísono de la música de grandes productoras, como Zavoloka, de la cual ya hemos hablado antes en otra edición de Data Review y por lo que mucho de su trabajo se ha dado a conocer a raíz de estas colaboraciones, además de otros artistas a quienes a acompañado como Vitor Juaquim. En su página web personal, podemos encontrar una amplio portafolio de su trabajo, así como en su sitio de VIMEO. Actualmente Laetitia se ha volcado a la enseñanza impartiendo clases de artes visuales en Portugal.

A continuación un video en compañía de la Ucraniana Zavoloka.

 

ETHAN ROSE

(Estados Unidos)

Hablar de Ethan, es hablar de una gran cantidad de material sonoro/musical, visual e incluso fílmico por revisar, mi primer contacto con su trabajo fue a partir de la película Paranoid Park, que relata una escabrosa anécdota de un chico skater, que se ve inmiscuído en el asesinato de un guardia de trenes, pero es en esta película, donde el tema Song One, llena de glitches y ambientes de ensueño, acompaña a una de las mejores secuecias  de este metraje, filmado totalmente en película de 8mm.

De la misma forma Ethan tiene un vasto trabajo en cuanto a instalaciones audivisuales y performáticas se refiere, por lo cual les invito a revisar tanto su SITIO OFICIAL, como su canal de VIMEO donde pueden encontrar el registro documental de un espléndido trabajo musical en órgano de viento, que realizó para una antigua pista de patinaje en Estados Unidos y de donde se desprende su álbum Oaks, el cual recomiendo apliamente, además está publicado por el reconocido sello francés BASKARU, el cual tiene en sus filas a grandes artistas como la también anteriormente reseñada en Data Review, Sawako

Y bueno como les comento, he aquí la secuencia musicalizada por Rose para la película Paranoid Park, uno de sus tantas colaboraciones fílmicas.

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Osmara Gámez: Coleccionismo Visual en Movimiento.

Aproximadamente en 2012 tuve el placer de conocer a Osmara, en ese entonces, muy enfocada al registro en video de diferentes situaciones de la vida cotidiana para sus acervos, siempre con cámara en mano, sin dejar ir todo aquello que le llamase la atención. Concretamente nos conocimos en una muy temprana etapa del Ovnibus Roma, que forma parte de una serie de autobuses eléctricos (trolebuses) donados por el gobierno japonés a las autoridades capitalinas, para su re-acondicionamiento como pequeños foros o centros para la cultura.

En esos días Osmara había comenzado a estudiar en la UVA (Unidad de Vinculación Artística/UNAM) que forma parte del complejo cultural del Centro Cultural Universitario Tlatelolco; siendo un espacio que ofrece amplias opciones  de talleres abiertos a todo público. De esta forma, ella toma la iniciativa de aprovechar una curiosa oferta de talleres, la cual consistía en pagar cierta cantidad en promoción, para tomar varios de estos, entre los cuales se encontraban (o encuentran aún) los talleres de arte sonoro con Fernando Vigueras, video con el colectivo Nerivela, además de otros talleres de processing, arduino, etc, que fue aplicando a sus trabajos posteriores.

Todo este bagaje de conocimiento, aunado a sus experiencias propias y otras disciplinas sobre las cuales ha trabajado, la convierten una gran productora de interesantísimas propuestas audiovisuales. Decidí ir a entrevistarla directamente, para conocer un poco más acerca de su proceso creativo, selectivo y ese coleccionismo aleatorio que la caracteriza.

De entrada y retomando su formación multidisciplinaria, nos comentó que esta iniciativa de tomar talleres, se presenta porque ella misma cruzaba en una especie de crisis de ubicación, el no saber hacia dónde dirigirse y no querer formar parte de las estadísticas, aunado  a un interés real por la cultura, las nuevas y viejas tecnologías.

Me dirigí concretamente a algo que me llamó la atención de inmediato al llegar a su estudio, su pequeña pero poderosa colección de proyectores analógicos de 8mm, los cuales ha utilizado muchas veces en actos en vivo con el dúo electrónico Amateur, del cual forma parte y que de igual manera ha utilizado en varias ocasiones en complemento a sus presentaciones sonoras. Estos artefactos ella misma los ha adquirido literalmente, a la vuelta de su casa, ya que justo al doblar la esquina, se ubica domingo a domingo el famosísimo Tianguis de La Sanfe (San Felipe de Jesús) famoso por la gran cantidad de chácharas y antigüedades, tanto como por autopartes y otros artículos casi endémicos de la zona; un panorama sumamente popular, de barrio.

De igual manera esta añoranza por la cháchara, el objeto tecnológico de segunda o tercera mano, que incluso a veces ya no es funcional, se funde con la estética del error, de hecho ha dedicado mucho de su tiempo al Circuit Bending de juguetes electrónicos, como resultado de esta búsqueda por nuevas sonoridades.

¿Cómo es esta selección de imágenes,  y cómo las utilizas en tus proyectos visuales (proyecciones)?

O: Cuando estaba en UVA en los talleres de video, me enseñaron que para producir imágenes para nuestros proyectos, no necesariamente debíamos de hacerlas nosotros mismos y que podíamos usar el gran archivo de videos existentes de lugares como incluso Youtube u otros sitios web, o bien, como resultado de la búsqueda de antiguas películas de VHS, 8mm etc; también por eso es que he adquirido estos proyectores, tanto los análogos como los digitales, al igual que la grabadoras de audio y demás, porque de otra manera no tendría manera de acceder a esas imágenes si no tengo el equipo adecuado, entonces es así como las he ido coleccionando, de igual manera pues tengo muchas revistas y periódicos que uso para hacer collages, que es algo que he estado trabajando actualmente y que en realidad sigue el mismo proceso de recopilar, archivar y demás.

Una vez vi una pieza tuya presentándose en un ciclo de video experimental, me parece, que se trataba sobre una filmación de un scanner sobre tu cuerpo.¿Cómo fue que llegaste a este proceso? 

O: Los Scanners se me hacen muy interesantes, porque no es como una cámara de la cual obtienes imágenes a través de su óptica, es luz que lee luz, para ese video en concreto usamos un scanner y la idea era usar unos maniquíes (con lo cuales tengo cierta fijación) que tenía mi amiga en su taller donde estábamos haciendo el video, un maniquí transparente, pero al final decidí hacerlo con mi propio cuerpo.

 

¿Qué opinas acerca de los artistas visuales, que prácticamente  acuden a programas y recursos ya muy estandarizados? Por ejemplo, he visto que todos usan el mismo software, un proyector y listo. 

O:Creo que realmente cada quien usa las herramientas que tiene a su alcance, cuando hago visuales para proyector digital, puedo trabajar con otras soluciones de imagen, por ejemplo al principio cuando hacía mis videos para las proyecciones, les ponía cantidad de efectos, hoy en día no uso tanto esos recursos y los dejo más puros, esto tiene que ver un poco con los collages que hago en los cuales sigo este mismo proceso. Para las proyecciones en 8mm muchas veces las uso como tal, incluso algunas están dañadas y esto le da un plus. Me acomodo mejor con las herramientas que puedo manipular a mi antojo y necesidades, en algún momento utilicé sistemas como Kinect, el cual curiosamente fue muy popular en cuanto a sus aplicaciones en artes escénicas, pero al final creo que hay herramientas más nobles que puedo utilizar, incluso en algunas ocasiones he usado proyecciones con transparencias y otros recursos visuales. Tal vez es  un asunto de nostalgia por las viejas tecnologías y todo lo que esto implica.

En cuanto a lo sonoro ¿Cuál es tu proceso? He visto que incluso usas cintas y viniles, que procesas en vivo.

O: Es casi el mismo proceso, hallar diferentes fuentes de sonido, cassetes, viniles, tengo un vinil de cosas del PRI que uso a menudo cuando toco o en algunas ocasiones tomo sampleos de películas y otras fuentes similares.

Esto me lleva a la temática de tu obra, he notado cierto contenido social y político, algo de sátira religiosa incluso. 

O: Sí de hecho, por ejemplo cuando hago collage, muchas veces sucede que escojo un tema, por ejemplo la reforma energética, tomo los recortes que me gustan al respecto de esto, conforme lo voy completando con el tiempo voy agregando más recortes pero actualizados sobre ese tema, al final, me doy cuenta  que cuando termino el collage, se volvió una especie de línea de tiempo visual sobre ese tema. En las piezas sonoras como comenté, esto es más evidente, como lo del vinil promocional del PRI y en cuanto a lo social y religioso, muchas veces acudo a los santos populares, por ejemplo a San Judas, cuando niña mi mamá tenía una clínica y se llamaba así, San Judas, y tenía una figura enorme que me daba mucho miedo, creo esos recuerdos me hicieron comenzar a apegarme a esos símbolos religiosos y usarlos en mis piezas.

Bueno sé que actualmente estudias para ser Odontóloga, ¿Cómo llevas esto a tus actividades de producción artística? 

O: Si te das cuenta hay gran influencia, en muchos de mis visuales uso referencias a videos didácticos de anatomía y medicina en sí, de hecho encontré que algunos sistemas muy modernos de escaneo odontológico, tienen la misma base que otros sistemas con los que he trabajado como con Kinect, en algún momento pensé en rediseñarlo y usarlo para esto, es algo en lo que estoy actualmente porque esos equipos odontológicos son carísimos y bueno lo que aprendí en talleres, creo lo puedo llegar aplicar.

 

Si te gustaría conocer más sobre el trabajo de Osmara Gámez, puedes visitar su sitio de  VIMEO y SOUNDCLOUD respectivamente.

 

 

 

 

 

Astrid Miranda: Glitch hecho a mano.

El Glitch, en palabras burdas y claras, se trata de un error informático que afecta en términos casi estéticos mas no operacionales, sin poner en riesgo al medio de ejecución, por ejemplo en un videojuego, sólo altera su interacción con el usuario, dejando ver gráficos erróneos diferentes a los que debería mostrar, quitándole así coherencia. En la música por ejemplo, sucede cuando la información del sonido se encuentra dañada, como cuando un cd está físicamente maltratado y los resultados sonoros son una serie de desfragmentaciones de la pieza original. Esta estética del error, en ámbitos musicales, ha sido revalorada y tomada para la formación de nuevos géneros, conocido bajo el mismo nombre o bien como click and cuts y diversas variantes.

Pero aterrizando hacia los terrenos de la imagen, esta estética también se ha popularizado en los últimos años, concretamente en internet, donde ha crecido de tal manera que incluso se habla ya de la existencia del Glitch Art, tanto en imagen estática como en movimiento, utilizando el protocolo de formato GIF, tan populares hoy en redes sociales, pero que en los primeros tiempos del internet, eran igualmente populares como una alternativa arcaica al streaming de video.

paisaje error 00Ahora existen sitios que Glitchean las imágenes que el usuario prefiera, sean fotos tomadas de cualquier rincón de la web o bien, piezas originales de autoría propia. Por lo regular, estas imágenes no sobrepasan nunca el formato digital, es decir, muy pocas veces vemos una impresión sobre papel o cualquier otro soporte, y prácticamente son imágenes destinadas a compartirse en redes sociales, blogs, foros, etc.

Justo de esto último se desprende el trabajo de Astrid Miranda, artista visual dedicada mayormente a la pintura y la gráfica, y que si bien posee una formación clásica, no se limita la exploración y experimentación de otros géneros, técnicas o incluso tendencias. Por esto, nos hemos acercado a ella para entrevistarla acerca de una de sus más recientes series, en donde recrea de manera manual, a esos errores informáticos de los cuales hemos hablado, una especie de Glitch hecho a mano, que emula una diversidad de paisajes.

Comenzamos así con esta entrevista:

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Primero que nada, conozco tu trabajo desde hace ya mucho tiempo,fue muy curioso para mí ahora verte interesada en esta área ¿cómo o dónde surgió este acercamiento?

En otra línea de trabajo que estoy desarrollando, uso capturas de pantalla de videos pornográficos. Sucedía que, cuando se estaba descargando lento o la conexión a internet era muy mala, la captura de pantalla tenía muchos errores o huecos. Me parecía interesante pensar que era información faltante de esa imagen, pero que, no por eso dejaba de ser una imagen. Después, a partir de un articulo que leí sobre los recuerdos y la manera en que estos recuerdos se van modificando cada que los evocamos, me pareció que estas imágenes barridas o con errores, son una metáfora de los recuerdos. Siempre se están modificando, como estas imágenes.

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He visto de igual manera que no sólo has hecho Pintura Glitch, sino también Serigrafía. ¿Técnicamente representa un reto diferente ó como lo has abordado?

Técnicamente tanto la pintura y la serigrafía me han aportado más caminos o posibilidades para desarrollar esta línea de trabajo. Cada técnica se ha ido complementando una a la otra. Más que un reto, se ha vuelto una línea de trabajo muy rica en posibilidades.

En Internet hay un buen número de sitios donde Glitchear las imágenes de tu preferencia, ¿usas este tipo de herramientas o bien tienes otros métodos? Y ¿porque el llevar estas imágenes a su representación manual y no dejarlas en su versión original digital?

Sí utilizo herramientas para glitchear mis imágenes, sin embargo después continuó trabajando en la computadora, donde las secciono y hago una selección de la información visual que voy a ocupar. Mi interés de llevarlas a lo físico, es una necesidad personal de digerirlas y trabajarlas manualmente, quizá más adelante decida ya mantenerlas en un formato digital y explorar estas posibilidades.

¿Crees tú que sea el comienzo o desarrollo de una nueva serie de vanguardias artísticas para este siglo XXI o es una mera tendencia y acude a una explotación estética de estos géneros de la época del post Internet?

A mi parecer, estamos viendo el desarrollo del internet y su influencia en nuestra cotidianidad e intimidad y la forma en que nosotros culturalmente lo estamos asimilando.

Si te gustaría conocer más acerca del trabajo de Astrid Miranda puedes dar click AQUÍ.

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// DA†A REVIEVV 03 //

Una vez más es un gusto retomar esta sección. Para quienes recién se integran a seguirnos por esta página les explicaré de qué va. Data Review es una serie de reseñas sobre diferentes publicaciones musicales y sonoras, en diversidad de géneros y formatos. Hasta el momento sólo he reseñado trabajos electrónicos, sin embargo, a partir de esta tercera edición comenzaré a introducir otras sonoridades fuera de este espectro electrónico, así que sin más, ¡comencemos!.


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[SUPERNOVA]

V/A curated by José Soberanes

Label: Nova Fund Recordings

Released:December 2016

Nova Fund es sin duda uno de los sellos más ambiciosos de nuestro país, trabajando bajo la premisa de una inclusión global, no solamente nacional; en su catálogo desfilan varias propuestas nacionales de alto calibre. Para este compilado en particular, la selección es amplísima, cabe señalar que si bien el sello se ha dado a conocer por su catálogo casi especializado de géneros experimentales/contemplativos de música electrónica, éste compilado destaca por su amplia paleta de géneros, pasando por el ambient, drone, bass y llegando a interesantes temas de techno, como el track con el que participa del dúo femenino Amateur, el cual por cierto tiene un EP publicado anteriormente en Nova. Destaco además la participación de personalidades internacionales como Bruno Bavota, Darren McClure, Kenta Kamiyama y nacionales como Me & Myself y Naked Geometry, además de personajes de gran trayectoria como Javier Piñango y Arovane.

Este compilado no es de libre descarga pero José Soberanes (aka Huixtralizer) nos ha regalado algunos códigos de descarga. Le damos las gracias por tan excelente aporte. Todo lo que deben hacer es entrar a ESTE sitio y colocar alguno de los códigos que dejamos  más abajo, (si algunos de estos han expirado, chequen cuales no para que puedan hacerse de una copia). La descarga digital acompañada de un print original del arte del compilado, (realizado por Billy Reid) se ha agotado.

[Códigos Supernova]

vysw-v58h / fkq4-63bv / ln8h-g4l9 / qazh-3q5t / g7yp-cz2b / ywu8-wtxx / 3p5y-cbjp / d97y-xw92 / pywn-jwgh / hujj-6r8v / hlg7-y4u9 / jctd-bmaz / 9hnp-xz3g / z4dg-eglu / zp4y-33qp / 36sn-hx62.

¡Sólo hay 15 de ellos así que apúren su descarga!, si no, mínimo pueden escucharlo AQUÍ.


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NO ESTAMOS SOLOS II

V/A

Label: Abolipop Records

Released: October 2016

Una vez más Abolipop Records, legendario sello Tapatío con casi 15 años de trayectoria, regresa  a los lanzamientos en físico, esta vez con un disco doble lleno de personalidades nacionales y jóvenes promesas, además de un diseño de empaque bastante interesante al más puro estilo “hágalo usted mismo”, bonitamente decorado con sellos artesanales y un póster en su interior.

La primera edición de No Estamos Solos fue publicada  en 2003, sin embargo como parte de un rescate auditivo, Suplex (proyecto paralelo de Abolipop Records) lo ha re-lanzado en descarga gratuita, siendo su lanzamiento número 56 en la lista (puedes descargarlo AQUÍ); con un desfile verdaderamente nostálgico de los primeros artistas que formaban parte del sello por aquellos días, algunos prevalecen hasta esta nueva edición, ahora en formato físico, pero sin duda lo que más cabe rescatar, es la gran madurez sonora que muchos de estos proyectos han alcanzado.

Para esta segunda edición desfilan artistas de casa como el llamado alguna vez enfant terrible Lumenlab y su poderosísima carga de Punk/Hardcore electrónico que le ha valido varios reconocimientos sobre su más reciente álbum They Are Killing US (editado por el sello AAGOO), además de Nebula 3, la dupla póstuma de Vektor & Jack´s son, Signal Deluxe, el esperadísimo regreso de Aeropuerto y nuevos talentos que se han integrado como  Mondragón, Trillones, Cacao entre otros. Destacan aparte la participación de figuras como Ford Proco, Cacophonic Joy, Felix Blume y Murcof.

No Estamos Solos II está dividido en dos propuestas, el primer cd (amarillo) está conformado por aquellos artistas cuyo trabajo es más apegado a géneros concretos de música electrónica, entre idm, breakbeat, ambient, synth pop, etc; mas no así el segundo cd (azul) en donde podemos encontrar trabajos más dedicados a la exploración sonora, en soluciones que van desde el noise hasta las grabaciones de campo e incluso el punk, con la participación de personas como Enrique Maraver,  Wilfrido Terrazas o los mismísimos Pellejos.

14600889_1285379531493949_6417237129125743838_nDe igual manera el pasado 08 de Octubre, el Museo Universitario del Chopo, albergó una muy emotiva noche para la presentación de este compilado, con la participación en vivo de Charles Modulation, Mondragón, Lumenlab (feat. Chano), Carlos Baz y la introducción al evento a cargo de un entrañable Dj Set de Javier Audirac, además del esperado ensamble de Nebula 3 y el regreso de Aeropuerto a los escenarios, sin duda uno de los momentos más esperados.

Este puede ser adquirido a través de su sitio en Facebook, preguntando por él mismo o bien en CDMX en sitios especializados como Piratón Records, les aseguro que vale la pena tenerlo en su colección, pueden escuchar un Teaser AQUÍ.


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CORRUPTED-PASO INFERIOR

Label: Frigidity Discos, Japan.

Released: October 1997

 Como les comenté al principio de este Data Review, a partir de esta edición comenzaré a incluir trabajos de otros géneros musicales, este es el caso de Paso Inferior de la agrupación nipona Corrupted, en su primer álbum con un único track de aproximadamente 42 minutos, una característica que se puede localizar en trabajos posteriores como El Mundo Frío con igualmente, un track único de aproximadamente 70 minutos.

Localizados como una banda de Doom/Sludge Metal, la agrupación proveniente de Osaka, en este su primer álbum nos muestra una crudeza sonora típica de las agrupaciones del género, con distorsiones que crean largas atmósferas, quebradas por una lenta pero poderosa línea de batería; en ocasiones estos pasajes nos recuerdan a trabajos sonoros cercanos al llamado japanoise de agrupaciones como Incapacitants, hasta que llega el momento de la integración vocal de Hevi (en ese entonces) a su cargo.

Corrupted ha pasado por múltiples colaboraciones en Split con agrupaciones como los españoles de Machetazo o los estadounidenses de Noothgrush, además de otra gran agrupación muy cercana al género como lo es Grief. La alineación de la banda ha cambiado múltiples veces. En su último álbum de estudio y presentaciones en vivo participa la vocalista llamada Taki, uno de los pocos registros de estos últimos conciertos, los puedes checar AQUÍ, además del video/álbum completo que dejo a continuación, ¡que lo disfruten!

Indie/ferencia: Crisis en la cultura independiente.

 

La primera vez que tuve un acercamiento propio con todo lo que a contracultura y cultura independiente se refiere fue cuando tenía 13 años, la primera vez que visité el Tianguis del Chopo. Recuerdo esa ocasión como si fuera un suceso reciente. Un Sábado a eso de las 3 PM, llovía y por nuestra ignorancia nos bajamos en la estación de metro Guerrero (un par de amigos y yo), cuando en realidad debimos haber bajado en Buenavista. En fin, tuvimos que caminar un buen tramo por la periferia de la colonia, con un paisaje bastante desalentador, lleno de indigentes y las postales típicas de una colonia popular en decadencia.

Al llegar a la calle de Aldama (donde hasta la fecha se aloja el Tianguis) el panorama era diferente, aunque no necesariamente mejor. Llegamos en primera instancia a la esquina de Aldama con Eje 1 Norte (Alzate) donde se ubica la aún existente Plaza Peyote; un predio acondicionado para albergar a una buena cantidad de improvisados locales todos dedicados a comerciar con lo referente al Hip Hop, a escasos pasos del refugio etílico de la comunidad Gothic de la ciudad, el famoso Bar El Español; mejor conocido por algunos como el Vampibar. Al entrar al Tianguis la oferta musical era enorme: cassettes de desconocidas bandas (recuerdo mucho unas cintas de Def Con Dos) con librillos fotocopiados, pocos y muy caros cd´s piratas, botones, parches para coser en la ropa con temáticas anarco punks, fanzines y mucho más. Y ni hablar de la gran pasarela de personajes en la zona. Hoy en día, si gustan dar una vuelta; el asunto se ha convertido en una mega tienda de ropa y accesorios contra culturales y musicales, de lo demás queda muy poco.

Ya entrados a los años dosmiles; yo y el grupo de amigos con quienes siempre me movía comenzamos a frecuentar El Multiforo Cultural Alicia, que para esos años tenía un boom espectacular en cuanto a bandas de Surf y Garage se refería. Noches en las que el techo del Alicia transpiraba con algo así como 300 o más espectadores encerrados en aquella azotea, muchos de ellos ataviados a la moda surfera de camisas hawaianas y máscaras de luchador. Nunca fue lo mío, pero disfrutaba mucho de la música. Por aquellos días la única forma de enterarte de los eventos de la ciudad era ir cada Sábado de nueva cuenta al Chopo a recibir una dotación de flyers (incluso los coleccioné), o a escuchar las pláticas con los vendedores sobre otros eventos y también acudía de vez en cuando entre semana a las afueras del mismo Alicia a ver los carteles que pegaban en sus cortinas y paredes exteriores.

Tengo una imagen muy vívida, era un Sábado a eso de las 5 o 6 PM, estaba yo afuera viendo estos carteles, cuando llegaron en una pequeña camioneta, unos chicos con uniforme escolar de secundaria, uno de ellos montada en su mochila, traía una máscara de conejo. No sabía de quiénes se trataba, tiempo después supe que eran Austin TV. Seguía sin tener idea pero al mismo tiempo, fue cada vez más y más recurrente su aparición en cantidad de flyers que recibía; todo esto bajo diversos títulos como, Festival Indie, Indie Rock y demás adjetivos con la palabra Indie como común denominador.

¿Qué es Indie?

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Fachada del Multiforo Cultural Alicia

Concretamente Indie es una contracción de la palabra Independiente (independent). Aplicado a la música se refiere a todas aquellas agrupaciones que distribuyen su trabajo de esta manera: auto publicándose, creando su propio material de venta tanto musical, como de merchandising. A grandes rasgos, todos los pasos que conllevan la difusión y distribución de la obra musical y que no pasará por las manos de una disquera grande o de los medios masivos.

Sin embargo tal adjetivo y su verdadero significado poco tuvo que ver con lo que sucedió tanto en nuestro país como en varios más, se generó incluso un supuesto género musical llamado bajo el mismo nombre y que englobaba y se refería a otros más, como el Garage, el Shoe Gaze y sobre todo el Punk Rock.

Precisamente de este último, mucha de la estructura de independencia creativa, de difusión y de trabajo como tal siempre existió, no era un asunto nuevo, la autogestión como forma de acción ante las pocas oportunidades que el estado provee, para que la cultura prolifere y el mensaje llegue a más.

Así, personas y organizaciones han tomado la iniciativa desde hace muchos años, de moverse bajo los mismos esquemas de la independencia y de la autogestión; no solo en la música sino en diferentes vertientes del quehacer artístico para hoy en día (dando un tremendo salto temporal) darnos cuenta que la oferta cultural proveniente de este sector independiente es enorme y no solo eso, es importantísima. A tal grado que no existen suficientes foros, medios ni recursos para que todos estos puedan llevar a cabo sus actividades.

Con ejemplos concretos y referenciados, por ejemplo la música electrónica; me atrevo a decir que a partir de la primera década de este nuevo siglo, el repunte de productores independientes de música electrónica en nuestro país (no confundir con dj´s) ha crecido de manera significativa. En parte a que este tipo de música ya está mejor posicionada en nuestra aceptación colectiva y también debido a que cada día más, las herramientas de producción se ponen más al alcance de todo tipo de usuarios: profesionales o entusiastas. Existiendo una sobre producción de proyectos, de los cuales al final pocos llegarán a destacar. Pero no es esto lo más importante, sino que muchos de estos ni siquiera tendrán un espacio decoroso en donde poder presentar su música.

Seamos sinceros, recurrir al apoyo del sector restaurantero (bares) como el típico estereotipo de música en vivo, no es una buena opción. ¿Por qué? Simple, si tu quieres presentarte en un espacio como estos, tu proyecto debe ser lo suficientemente atractivo para que sea rentable a quien te haya abierto las puertas de su negocio. Es decir, que debe haber gente que vaya a verte y a su vez consumir; si esto no se cumple, simplemente no volverás a tener la misma oportunidad, porque en términos rebuscados tu música no jala.

¿Pero qué sucede por ejemplo con quienes se dedican a las artes escénicas, las artes visuales, etc.? Lo mismo, no hay suficientes foros que abran sus puertas a las puestas en escena, no hay suficientes galerías que quieran alojar a jóvenes en desarrollo artístico y las que existen muchas veces no se dan abasto o debido a que muchas veces no recurren a presupuestos federales sino que todo sale del propio bolsillo, dejan de funcionar después de cierto tiempo o son víctimas de la corrupción y los malos manejos de sus líderes. Peor aún, sucede lo más lamentable; si un espacio llega a establecerse de manera exitosa, se vuelve elitista, excluyente y aplican el tan famoso amiguismo, sólo sus conocidos pueden y nadie más.

Pero hay un punto aún más crítico y este proviene de una de las partes más importantes del circuito, esta pieza clave es el espectador. Hoy en día es muy común usar la redes sociales para difundir eventos culturales, musicales, escénicos etc. y debido a su popularidad, pareciese un método infalible para poder obtener audiencia, porque claro, todo mundo hoy en día está conectado a través de sus dispositivos móviles accediendo a toda clase de ofertas recreacionales, pero aún así es muy poco el interés que puede provocarse sobre esta audiencia.

Pareciera que si no existe un medio, una marca, una institución o una celebridad para legitimarlo, entonces no es del interés de nadie. Vivimos en una de las más fuertes crisis económicas en las últimas décadas y cada vez más, la presencia de estos enormes festivales acapara los reflectores de los medios. Es curioso que a pesar de no haber dinero, si hay sold out´s casi instantáneos. Las nuevas generaciones apuestan al goce de la presunción del yo estuve, aunque poca o nula idea se tenga de lo que el evento ofrece, el asunto o el chiste es estar presente, ¿Cómo puede un pequeño evento musical luchar contra tan enorme monstruo mediático? Ni idea, pareciera que el asunto es ser sumamente necio y resistir hasta donde más se pueda.

Los invito a no ser tan volubles, a no ser tan indiferentes, a apoyar de verdad a la gran gama de proyectos culturales que existen en nuestro país. ¡Muchos de ellos son nuestros amigos!, ¿por qué no apoyarlos?. Les aseguro que muchas veces en caso de existir alguna recaudación monetaria, es de un coste mínimo y hasta risible. ¿Y aún así no poyamos? Recordemos que en esos necios, en esos aferrados a que las cosas cambien, reside muchas veces el futuro cultural de nuestra sociedad. Poco cuesta y mucho se hace con muy poco.

#Apoya tu escena local.

#Support your local scene.

Las raíces del momento: Pauline Oliveros.

 

“Escucha todo el tiempo y sé consciente cuando no lo estés haciendo”.

-Pauline Oliveros

Pauline Oliveros es una de las máximas compositoras del siglo XX, pionera en el desarrollo de la música experimental y electrónica, incansable investigadora pero sobre todo, una mujer que tomó las riendas de su desarrollo artístico sembrando los principios del reconocimiento femenino en un medio mayormente dominado por la figura masculina.

La maestra Oliveros falleció el 24 de de Noviembre del 2016 a los 84 años de edad, con un legado sólido e irrefutable y un mar de lecciones para las nuevas generaciones de manipuladores del sonido. Su trabajo, al igual que su vida, es un cúmulo de experiencias dignas de revisión y que sin duda, a más de uno han inspirado. Los llamados géneros contemplativos dentro de la música electrónica toman cada vez más fuerza, ya no están solamente al alcance de los más curiosos o snobs; al contrario, se han creado espacios dedicados a éstos, en donde la audiencia forma parte importante dentro de la percepción de los trabajos, la contemplación y la escucha profunda. Incluso algunos artistas han comenzado a romper con ese esquema casi obligado en la actualidad del acompañamiento visual, esto para no distraer la atención y así, tener un canal aural pleno y directo hacia el espectador.

Recientemente se comienza a rescatar y valorar la importancia de la experimentación en el proceso y desarrollo de lo que hoy conocemos como música electrónica; cada vez más el cliché de referencia al cuarteto de Düsseldorf va quedando atrás, no porque no sea importante, sino porque ha dejado de tomarse como punto de partida, una constante que durante mucho tiempo prevaleció como un mantra inamovible y en cambio, han comenzado a salir a la luz datos extraordinarios de los primeros experimentadores, mostrándose así que la presencia femenina es no solo importante, sino fundamental.

Oliveros forma parte de estos primeros tiempos y en entrevistas deja ver su descontento hacia el subyugamiento de la mujer en el crecimiento profesional musical/sonoro, abiertamente feminista, comenta que le da gusto que al menos en últimos tiempos, parece surgir un interés en rescatar el trabajo de colegas como Daphne Oram, Delia Derbyshire o Eliane Radigue, sin embargo aún queda mucho por hacer en este terreno. Recientemente la Islandesa Björk comentaba lo mismo, el cómo se le ha dictado a la mujer dentro de la industria musical y que sus composiciones solo deben referirse a ciertas circunstancias de la vida, ciertos temas, limitando así el espectro narrativo de su obra.

Lo que más podemos identificar en  la obra de Oliveros, es sin duda su trabajo como acordeonista, en conjunción con otros dispositivos y herramientas, desde computadoras o cajas de ritmos, pedales y demás recursos oliverossonoros para sus presentaciones en vivo. Nunca fue alguien que se limitara a actualizarse, siempre estuvo a la vanguardia; es más, ella misma es la vanguardia. Su amplia formación musical tanto en la ejecución como en la docencia e investigación le dotaron de una genialidad absoluta, pero fue con este instrumento, el acordeón, con el cual hizo un click inmediato, debido a su popularidad en los años 40 y procedente de los compatriotas que regresaban del frente europeo tras la segunda guerra mundial, instrumento que le fue regalado por su madre a la temprana edad de 9 años.

Es curioso que a pesar de su formación académica, no tuviese predisposición alguna o rechazo hacia la ruptura, (tal vez como parte del espíritu de la época) yendo más allá de lo que dictan las partituras y dejando a la interpretación anímica una carga más poderosa y significativa, lo que nos lleva a un par de conceptos que ella misma acuñó y que hasta la fecha son sinónimo de su trabajo, la conciencia sónica y la escucha profunda. Este último se refiere precisamente a lo que anteriormente hemos señalado, la atención plena al sonido, la diferencia entre oir y escuchar.

Oír es prácticamente una función biológica que muchos poseemos, el percibir sonido a través de nuestros oídos, para el reconocimiento de las diversas fuentes sonoras que nos rodean y cumple así, con una importantísima función para nuestra supervivencia y desarrollo en nuestro medio; con esto, el aislamiento de sonidos específicos dentro de este caos sonoro, ese acto de atención plena, se transforma entonces en escucha. Oliveros tenía muy claro este concepto, sobre todo tras sus diferentes experimentos en diversos espacios como cisternas o cuevas, que producían reverberaciones extensas, donde la improvisación mediante diversos instrumentos y dispositivos formó parte de un proceso de aprendizaje junto con lo que el medio ofrece, la atención a los detalles y sobre todo la experiencia psicológica hacía la vastedad sonora.

El sonido se convierte entonces en materia prima para la creación, en palabras de ella: “en mi cabeza escuchaba frases musicales, insectos, pájaros, paisajes, la voz de mi madre arrullada por el motor del coche o cuando mi padre sintonizaba su radio de cristal”, refiriéndose al gozo de la escucha en un medio incluso saturado por el sonido mismo.

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Ramón Sender, Mike Callahan, Morton Subotnick y Pauline Oliveros, en el San Francisco Tape Music Center.

“Vivímos en una época ruidosa.

El problema es la concentración, ahora toda nuestra atención se centra en esas pantallas.”

Actualmente todos estos preceptos son pieza clave en la producción de los géneros contemplativos; como el ambient, el idm, pero sobre todo en el drone, y es justo en este último donde Oliveros tiene un gran desarrollo a través de sus composiciones en acordeón, notas extensas, pasajes infinitos, rupturas sonoras, sampleos y procesamiento del sonido, ligado a una vasta experimentación con los registros y grabaciones  en cinta, con los cuales comenzó a muy temprana edad una vez que adquirió su primer magnetófono, permitiéndole grabar y editar diversos ensambles sonoros, experimentos y desarrollos que le llevaron a ser miembro fundador y posteriormente directora del San Francisco Tape Music Center, siguiendo así en el camino de la música concreta.

“Lo que hacíamos con una habitación llena de aparatos hoy lo hace un móvil.

Me considero una nativa analógica”.

Como anécdota personal, he de contar que mi encuentro con su obra llegó de manera (tal vez) accidental, después de que uno de mis alumnos de un taller de fotografía que solía impartir, me regalase el CD de The Roots Of The Moment, al escucharlo quedé completamente enganchado y hasta la fecha Pauline Oliveros es un referente obligado para mi obra.

A continuación y a manera de desenlace, comparto con todos ustedes un registro excepcional de la maestra Oliveros en su visita a la Ciudad de México, que (tras el fallecimiento de Pauline) el mismo Manrico Montero me compartió vía chat en Facebook. Esto para la sesión de N.O.N.E (not only noise ensamble) llevada a cabo en el año 2006, en el Centro Nacional de las Artes (CENART, Auditorio Blas Galindo) al lado de Arthur Henry Fork, Manrico Montero, Julio Clavijo, Eduardo Meléndez, Carloz Icaza y Andrés Solís.

Descanse en paz y en perpetua armonía, Pauline Oliveros.

El Gran Bocuma: Síntesis artesanal de manufactura nacional.

En los últimos tiempos, la llamada cultura del emprendedor ha repuntado enormemente, es cierto; cada vez hay más personas sobre todo jóvenes entusiastas, que se animan a romper el ciclo de sencillamente ejercer su conocimiento en una gran compañía o empresa, un panorama cómodo y seguro que sólo requiere de realizar las tareas que se nos indican. Emprender supone muchos más riesgos y situaciones inesperadas: inversión de capital, tiempo, incluso salud física y psicológica, pero al final, quienes han logrado establecerse, siempre comparten el mismo discurso del no arrepentimiento y de haber valido toda la pena. Comercio, servicios, productos, un sin fin de campos donde emprender, algunos incluso se vuelven cliché tanto como el fracaso mismo, lo cual llevó a los expertos en números a decir que este movimiento del entrepeneur, es un espejismo y que pocos pueden llegar al éxito.

Ahora bien aterrizando en nuestro campo, hablar de música electrónica en nuestro país es ya, por fortuna, un tema con un poco menos dudas por despejar; afortunadamente tanto creadores como escuchas, poco a poco van siendo más estrictos con lo que producen y consumen, y es justo en este terreno de las herramientas para la creación (donde obviamente las grandes compañías acaparan el mercado), que siempre existe por ahí  un necio, alguien dispuesto a tomar la filosofía del hazlo tu mismo y convertirlo así, en una forma de vida.

Emmanuel Galván Martínez, joven Jalisciense de 27 años e ingeniero de profesión, destina intelecto, tiempo y capital, desde hace ya un par de años, a la creación de sintetizadores analógicos y analógicos/digitales desde su pequeño taller; ha comenzado a posicionarse con sus creaciones, dentro de este voraz medio electrónico, no sin antes pasar por toda una serie de conflictos propios de la aventura.

Siendo así, decidimos que lo mejor sería que él mismo nos contase su historia a través de la siguiente entrevista, la historia de Taller Bocuma.

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Sintetizador Big Bocuma

Pregunta obligada ¿Qué te llevó a involucrarte en el diseño y producción de sintetizadores y como surge?

-Creo que para responder de mejor manera, debo mencionar que antes de decidir entrarle a la ingeniería de sonido, estudié una carrera tecnológica en automatización industrial, dónde aprendí sobre electrónica y otras cosas. Desde niño siempre me llamó la atención la tecnología. Alguna vez desarmé el estéreo de la casa para saber como funcionaba y supongo que de ahí comenzó toda mi afición por los chips, los cables y el sonido.

Hace un par de años estaba desempleado, con mucho tiempo libre y unas incontenibles ganas de un sintetizador. El ocio, la madre de todos los vicios, me llevó a armar uno. Compré materiales, herramientas, etc. y empecé a experimentar. Muchos de mis amigos son músicos y a mas de uno le interesó lo que estaba haciendo. Fue entonces que me di cuenta que tal vez, mis experimentos podrían ser de utilidad para mas personas.

La verdad es que me gusta mucho y me llena de satisfacción ver un producto terminado y funcionando. Los sintetizadores me parecen mágicos y la tecnología detrás de ellos me fascina. Es como la combinación de sonido/música con ciencia. Más allá de cualquier cuestión monetaria, lo que me satisface (y lo que eventualmente me hizo decidir iniciar Taller Bocuma) es el ejercicio de creatividad, ingenio e inventiva que hacer este tipo de cosas conlleva.

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¿Qué parámetros consideras al momento de iniciar un nuevo proyecto?

-Al principio sólo consideraba cosas que me interesaban a mí, después me di cuenta de que tan complejo podría ser todo y la infinidad de elementos que intervienen en un diseño y la rentabilidad del mismo. Considero, primero que nada, la posibilidad creativa y también los costos y viabilidad de producción. Por el momento yo hago todo el trabajo, desde la soldadura hasta el ensamble final y empaque, por lo que puede llegar a ser muy complicado y tardado. Es por eso que tomo muy en cuenta mi capacidad de producción. De ahí en más, todo comienza con una idea de algo que a mi me gustaría tener. Después platico la idea con mis amigos o conocidos y ellos me van dando otros elementos o puntos de vista y así van creciendo las ideas hasta convertirse en prototipos, de los cuales tengo un montón pero no me ha sido posible lanzarlos aún.

Sabemos que el mercado mexicano siempre ha estado muy golpeado económicamente ¿Qué problemas se te han presentado en distribución o incluso, en el abastecimiento de los componentes y demás?

-Pffft! Infinidad de problemas. El alza del dólar y el encarecimiento de insumos, entre muchas otras cosas, me hace cambiar de estrategia muy seguido. Es bastante incomodo y frustrante. Es definitivamente un reto estar un paso adelante o al pendiente de la “macro-imagen”. A pesar de todo esto, creo firmemente en la creatividad y el ingenio como herramientas fundamentales para cualquier cosa que hago. Con el tiempo he aprendido a frustrarme menos y superar obstáculos. De pronto se siente cierta adicción a superar ciertas situaciones y eso sólo aumenta mi interés en todo esto.

Algo que me causa curiosidad es el nombre, ¿De qué va este?

-Cuando inicié en esto, estaba diseñando un pequeño sintetizador para dar un taller introductorio a la síntesis de sonido. Estaba buscando un nombre para promocionarlo que sonara interesante pero que no fuera lo típico de “El ABC de la síntesis” y cosas como esas porque, ¡qué hueva!… Un día, mientras finalizaba los diagramas, tenía puesta una canción con muchos elementos de síntesis, el título de la canción: “Bocuma”… y ya, click… “Taller Bocuma”. Al día siguiente registré la marca.

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El nuevo Digbo, sintetizador analógico/digital

¿Qué planes tienes a mediano y largo plazo para Taller Bocuma?

Siento que con el paso del tiempo y diferentes proyectos que he hecho, no necesariamente de Bocuma, mi manera de pensar se está orientando más hacia crear productos de alto valor. Me está llamando mucho la atención el diseño e  ingeniería industrial, la innovación tecnológica, la optimización de procesos y la disrupción de paradigmas, así como las nuevas tendencias en las tecnologías para la interacción con el sonido. Creo que todos mis intereses se están combinando de una manera muy interesante que me gustaría explorar.

A mediano plazo, me gustaría consolidar Taller Bocuma como una empresa con seriedad y visión. Siempre he dicho que en 5 años se va a convertir en la empresa líder en su ramo en México y Latinoamérica. Para ello van a ser necesarias muchas otras cosas que necesito ingeniar. Estoy por ampliar mi equipo de trabajo y por colaborar con otras personas. Probablemente busque optimizar diseños y ampliar mi capacidad de producción. Me he convencido que la creatividad es mejor en comunidad y que las ideas son mejor cuando se comparten, por lo que la divulgación de los diagramas bajo licencias creative commons está definitivamente en el panorama.

Estoy también explorando otros modelos de negocio y aceleración empresarial que pienso utilizar. Hay muchas oportunidades ocultas en la forma en la que el mundo funciona. Hoy en día las innovaciones tecnológicas pueden ser ideadas por cualquier persona. La economía naranja o industria de la creatividad como la denomina el gobierno, está tomando cada vez más fuerza y campo de acción. Es en ese ecosistema en el que quiero incursionar y del cual quiero aprovecharme para impulsar el crecimiento de Taller Bocuma.

Por último, para conocer más de los nuevos avances en el proyecto así como videos y otros datos, recomendamos checar su página de Facebook y visitar el sitio web de Taller Bocuma.

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//DA†A REVIEVV 02//

Ha sido una corta ausencia desde el último Data Review, pero ha valido la pena, ya que para esta entrega me he puesto a escarbar en mi disco duro externo, en el cual he respaldado apenas el 20% del total de la música que he recopilado a lo largo de muchos años, actualmente ya no acumulo tanto material y prefiero darle mas prioridad a la escucha que al acumulamiento.

Comenzamos pues con esta segunda entrega para la cual he preparado 3 propuestas + 1 plus :

1.Sagat-Satellite

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Sagat es un productor Belga (Bruselas) del cual solo tengo pocos datos, porque la verdad es que en el mundo de la música compartida por medios digitales es ya a veces muy difícil  rastrearlo todo.

Lo importante aquí es la música y Satellite con los cuatro tracks que conforman a este EP lanzado en Julio de 2013, vía Vlek Label (http://vlek.xyz/), nos da una fina y ambiental muestra de sonidos que van desde el Techno four on the floor, hasta ritmos más apegados al Future Garage y Breaks Experimentales que casi topan en el Glitch, claro, concepciones concebidas a través de los oídos de un servidor, pero este sin duda es uno de esos materiales para los cuales, a manera del más corriente argumento, ustedes tienen la mejor opinión y no se pueden perder, hay una bella versión en vinilo que si tienen la oportunidad de adquirir no la dejen ir.

Más Info:

https://sagat.bandcamp.com/album/vlek13-sagat-satellite

https://www.facebook.com/vsagat

2.Marie Dior-ITS OVER

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Como en la misma página de Aural Sects (https://auralsects.bandcamp.com/) se menciona, el último lanzamiento del sello más no de Marie Dior, es ITS OVER; lo último de lo último que salió al aire digital a través de este sello, después de que su manager Bunny Kay-Traynor decidiera terminar con sus actividades el año pasado. Marie Dior es Diogo Correia, quien cierra de manera legendaria y corta con dignidad la cabeza de Aural Sects.

Recién adquirí este disco, contiene siete tracks que como es habitual con  este productor, nos entregan una mezcla de Techno  denso y obscuro, con ambientes alucinantes que parecieran llevarnos a abismos infinitos, si lo sé, suena demasiado poético, pero es verdad; o bien simplemente pueden imaginarse bailando en la pista de baile de algún club al estilo Tresor en Berlín, de donde por cierto Marie Dior es originario. Potencia y obscuridad, sonidos analógicos y sin duda algo que no puede faltar en su colección digital si gustan de sonidos bailables diferentes.

Mas info:

https://auralsects.bandcamp.com/album/it-is-over-2

http://mariedior.com/

https://www.facebook.com/mariediorofficial

3.Sawako-Bitter Sweet

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Publicado para 12k Music , Bitter Sweet es el penúltimo álbum de Sawako (2008), escultora sonora como se hace llamar en su BIO oficial y adjetivo que le viene como anillo al dedo, ya  que la forma en la cual compone sus piezas sonoras es eso, un modelado exhaustivo del sonido, cual pedazo de arcilla.

Bitter Sweet es ambientes eternos, grabaciones de campo lo-fi, acciones sonoras al momento y texturas minuciosas, hay también, pequeños pasajes de instrumentos acústicos que dan cabida al sonido orgánico.

La escucha a conciencia es fundamental para este álbum, no es un disco para escuchar con los altavoces de la computadora, es un disco para disfrutarse en el mejor sistema de sonido al que puedan acceder. Yo hice algo, escucharlo entre el caos de la rutina diaria, traten de hacer ese experimento, los resultados variarán pero verán que pareciera se acomoda a nuestro ritmo de vida.

Mas info:

https://12kmusic.bandcamp.com/album/bitter-sweet

http://troncolon.com/

https://www.facebook.com/sawako

PLUS+

4.PEACHBLACK-PEACHBLACK

Aural Sects - PEACHBLACK - cover

¿Recuerdan a que sonaba el Soundtrack de Terminator 1?, pues a mi este pequeño EP de PEACHBLACK a eso me remite, solo que con toda la actitud Witch House y Electro Dark que tanto influenció a la música de brujas.

De igual manera, pertenece a Aural Sects, en un momento en el que el sello gozaba de buenaventura y  sobre información de esta agrupación proveniente de Moscú, Rusia, sucede lo mismo, datos pocos precisos y escasos, un Facebook que ya no trabaja más desde 2014 y un evidente paro en el proyecto. Sin embargo lo que este dueto nos a dejado es digno de revisión y es que como en un principio comenté, las reminiscencias sonoras a un sonido sintetizado de los ochentas, transportan y actúan de efectiva manera sobre la estética de la agrupación. Dos tracks cortos pero precisos.

Mas info:

https://auralsects.bandcamp.com/album/peachblack

http://peach-black.tumblr.com/

https://www.facebook.com/PEACHBLACK-184309758273575/

//DA†A REVIEVV 01//

Me complace mucho estar aquí ante ustedes, compartiendo e iniciando esta serie de reseñas musicales y sonoras que llevarán por título //DA†A REVIEVV//, en la cual podrán encontrar tres reseñas sobre tres diferentes discos, en varios géneros musicales en cada entrega, siguiendo una tendencia clara hacia la música electrónica y su amplio espectro.

Sin más, he aquí la primera, ¡que la disfruten!

Mauricio Sotelo

Co Fundador y Lead Manager de WOS [we only share] Label


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Transformaciones 02/Varios Artistas/Abolipop Records/México/2004

Ya he recomendado este compilado en otras ocasiones, pero no me gusta dejarlo pasar ya que considero que es uno de los trabajos más importantes y detonantes de una nueva era en la música electrónica mexicana, aunque pocas veces cuento que este disco llegó a mis manos gracias a que un amigo cercano lo encontró en la mesa de rebajas de una famosa tienda departamental (la de los búhos) junto con Comiendo Algodón en la Pista de Baile de Lumenlab, a él no le agradaron demasiado y me los revendió, yo muy metido en el Psychedelic Trance y el Goa por aquellos tiempos, escéptico, los comencé a escuchar: me volaron la cabeza por completo.

Este disco abre correctamente con la canción llamada 1 del extinto dueto Aeropuerto, formado por Susana Liceaga e Israel Martínez (Head Liner de Abolipop Records junto a su hermano Diego Martínez), un sonido amable y bien estructurado, IDM y Dream Pop que podemos encontrar en algunos tracks más adelante, aunque también destaco excelentes piezas de Breakbeat creadas por Destreza, Lumelab y Jackson. Personalmente quedé muy enganchado por Lobby de Transistor, un tema que muestra mucho de aquél sonido click & cuts y minimal techno, bastante explotado por aquellos tiempos.

Lo que este compilado significa para un servidor es la apertura a toda una nueva gama de soluciones musicales y sonoras, que hasta ese momento desconocía y vino a darme una bofetada para hacerme voltear a lo que sucedía en terreno propio, en nuestro país y con nuestra gente allá afuera.

Mas información:

http://www.abolipop.com/Discografia.html


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Fuck Christian AIDS EP/Stay+/Black Butter Records/Machester UK/2011

Stay+ (también conocido como Stay Positive ó Stay Plus) es el nombre bajo el cual opera Matt Farthing, productor inglés, cuyo nombre original de proyecto era Fuck Christian AIDS y que tuvo que ser cambiado a su actual, debido a las quejas impuestas por el  grupo Christian Aid Charity, un grupo religioso local de beneficencia.

Muchos de ustedes allá afuera conocerán el famosísimo sitio de descargas musicales No Data, bueno, entonces sabrán de que va y es que fue de esa manera como llegué a este material, aunque curiosamente fue mal catalogado como Witch House por aquél sitio, siendo esta la causa principal por lo que me vi atraído en un principio, debido a mi amplia búsqueda por música de ese género en aquél momento.

Sin embargo la sorpresa fue mayor, ya que este es uno de esos discos que más me cuesta catalogar o etiquetar, no sabría dónde ponerlo, es obvia la influencia de géneros como el Techno, Trance o el llamado Dance, yo sinceramente sólo puedo decir que es perfecto para la escucha a conciencia, de forma relajada o bien incluso funciona muy bien para la pista de baile, bastante atmosférico e incluso melancólico, nos transporta, por lo menos musicalmente, a escenas de la vida nocturna de cualquier chico o chica clubber de los sitios más underground de  la escena de aquél país, ya saben, poco dinero en los bolsillos pero muchas ganas de salir a divertirse. Hoy en día Stay+ ha cambiado un poco su sonido, hacia el UK Garage y el Acid House, con interesantes colaboraciones como la productora Cooly G, que si bien se encuentran un poco lejos del sonido de Fuck Christian AIDS, es claro que sus orígenes los tiene bien presentes en todas sus producciones.

Destaco de este EP los temas Stay Positive y Scum.

Mas música e información:

https://soundcloud.com/st4yp0sitive


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Without Your Love/oOoOO/Night Feelings/USA/2013

Entramos a terrenos más oscuros con este álbum llamado Without Your Love, del productor de nombre oOoOO (¿Se pronuncia simplemente o?) un referente obligado en cuanto al Witch House de vieja escuela se refiere, junto con otros discos como King Night de Salem o Black Earth That Made Me de White Ring entre otros.

Poco y mucho se sabe de este músico, pero en cuanto a sus actuaciones en vivo podemos encontrar cosas interesantes en YouTube, como su presentación en el Festival Sonar en su edición de 2011, tocando temas de sus anteriores producciones como Our Love Is Hurting Us.

Without Your Love es un tanto diferente, abre con la súper ambiental Sirens que incluye sampleos de un éxito de los ochentas, de Laura Branigan (Self Control) cual espectrales voces a la distancia, para darle paso a la melosa y melancólica Stay Here. El álbum trae consigo varias piezas a manera de intros u outros, con referentes muy claros hacía los sonidos primigenios del Witch House y su infuencia del Hip Hop lento que caracterizó sus bases rítmicas durante mucho tiempo hasta encontrar otros temas mas cercanos al Trap y sus constantes y cortos hit hats tan característicos en el género, situación que los rusos (hasta la fecha) supieron aprovechar muy bien para su escena y así crear un híbrido entre Witch House y Trap, simplemente llamado Dark Trap.

¿Qué encontrarás en este disco? Una alta carga de ambientes, sonidos espectrales como anteriormente he comentado, mucho drag (sonidos arrastrados) y voces de ensueño, es obscuro pero no demasiado, es incluso cursi si así lo quieren ver, pero algo puedo garantizar, tendrán uno de los mejores viajes sonoros si lo escuchan  por la noche, garantizado.

Más información:

Impresionantemente hay muy poca al respecto, principalmente por el extraño nombre de su productor al buscar en internet, como pasa con la mayoría de los proyectos del género con nombres indescifrables, sin embargo recomiendo hacer una búsqueda no muy exhaustiva por YouTube para encontrar mucho material al respecto, por ejemplo he aquí el álbum completo en cuestión:

Mauricio Sotelo. Artista plástico, explorador sonoro y músico electrónico. Fundador del sello nacional independiente WOS [we only share]. Ha colaborado con varios sellos de la escena nacional e internacional de música electrónica independiente como Nova Fund, EAC, Youth1984 (Rusia), Equilateral Records (Chile) y Phantasme Disques (UK). Originario de Ciudad Nezahualcóyotl, Estado de México. Los estilos que abarca con sus proyectos musicales son el Ambient, Ritual Noise, Noise, Drone, Techno, entre otros así como la Experimentación Sonora.