Omar Fraire. Compositor y artista contemporáneo.

Entrevista a Omar Fraire en Guanajuato Capital. Artista originario de Guadalajara, Jalisco. Su trabajo abarca diversas áreas de la música y el arte contemporáneo. Organizador y curador del proyecto “Punto Ciego” definido como un Encuentro Acústico de Sucesos Simultáneos en la Ciudad de Aguascalientes. Sus obras se han presentado en diversos festivales. Fue en el WhiteNoise.Fest [ex nihilo] donde nos acercamos a el para que compartiera algunas ideas sobre su visión del arte como área de exploración de la realidad.

Platícanos ¿cómo te interesaste en el arte?

De niño quería ser inventor y destruía juguetes para construir robots. Esa curiosidad me fue llevando a querer inventar sonidos. Después tenía una guitarra y quería tocar punk. Llegué así a la academia y después de conocer la música de Bach no hubo marcha atrás. Estudié composición en Colima, en Guadalajara y en Holanda y luego regresé a México. He trabajado en varias orquestas como chelista. Siento que desde entonces descubrí este interés por el arte. Actualmente vivo en la ciudad de Aguascalientes donde doy clases de composición en la escuela Manuel M. Ponce y también en la Universidad Autónoma de Aguascalientes. Soy de Guadalajara y me dedico al arte contemporáneo, una parte de mi trayectoria se dividió de la música hacia otro tipo de disciplinas e interacciones con el arte.

Nos podrías explicar ¿cuál es tu perspectiva sobre el arte contemporáneo?

Contemporáneo es un término que define históricamente lo que sucede ahora. Lo que significa para la música o el arte tiene que ver con darse cuenta de una serie de fenómenos simultáneos y relaciones complejas que van de lo social a lo cuántico y que dan sentido a nuestro momento. Es una forma de relacionarnos con el mundo, lo contemporáneo del arte, desde mi perspectiva es la forma en la que la vida se puede concebir ahora.

¿Crees que existe una resistencia hacia la recepción del arte contemporáneo? ¿Qué estrategias se necesitan para llegar a la audiencia?

Sí, creo que existe una resistencia, ¿a qué se debe? Al principio yo pensaba que era falta de conocimiento, falta de bagaje histórico, lo cual puede ser verdad en cierta medida, pero es también un ejercicio de poder decir que el arte sólo puede apreciarlo la gente que conoce. Para mí eso no es verdad. La única forma de apreciar el arte es estar abierto al fenómeno y enfrentarte completamente a él como humano. Pero esa cosa tan sencilla se torna compleja y creo que esto se puede deber en parte al mercado. A la ideología capitalista del mercado que impone ciertos parámetros de cómo debe de ser la música y el arte. Esa es la forma en que nos van intoxicando y esa es con la que llegamos al concierto y si lo que se nos presenta no tiene un ritmo bailable, si no tiene una melodía que pueda cantar en el baño, entonces probablemente está mal. Es más, puede ser que no sea tanto por el poco bagaje histórico sino más bien por el demasiado “bagaje comercial” que tenemos, se nos convierte en una especie de gestalt. Para enfrentarte a la música lo único que necesitas es oreja, estar dispuesto a escuchar y eso aunque parezca sencillo es complicado. ¿Cuáles serían las estrategias? No dejar de hacerlo, y sobre todo esto que ustedes hacen, acercarse por ejemplo, a esta noción de meter las manos en la electrónica de una manera empírica, creo que esto propicia en las personas el hacer una conexión con lo que pasa en este momento.

“Colocamos comillas en los límites de la ciudad, detrás de los monumentos a Guadalupe Posada y Saturnino Herrán respectivamente. Recorrimos la ciudad ahora como una cita de Aguascalientes”.

Omar Fraire

¿En qué otras formas de arte has incursionado?

En varias cosas, al principio eran cuestiones de teatro y de danza. Como compositor, te encargan la rola y obedeces a la idea de un coreógrafo o un director. Después tuve la oportunidad de asistir a residencias en las que trabajábamos en torno a una construcción transdisciplinar del arte y esto me abrió el campo. Era una cuestión de perder el miedo al error, al performance, etc. Meterse en la disciplina del otro y poder habitar espacios como por ejemplo, el de la medicina o hasta el de la contabilidad y entenderlos como posibles cruces con el arte, desde ahí creo que me he metido en cuestiones de performance, cuestiones teatrales, escultóricas, espaciales, sociales, e incluso situaciones que no sé en qué categoría quedan.

¿Podrías hablarnos de alguna intervención de este tipo que te ha gustado más?

Sí. Hay una intervención que hacíamos en bancos. Un amigo y yo de pronto nos preguntamos, ¿en dónde sería imposible ver una obra de arte? Me parece que esto va en relación a lo que me preguntabas sobre: “¿Cuáles serían las estrategias para que el arte contemporáneo pueda ser bien recibido?” Yo siento que una de ellas sería mostrar el arte fuera de los recintos en donde se supone que debe suceder. ¿En dónde puede suceder menos el arte? Nosotros pensamos: en los bancos, vamos a hacerlo en los bancos. ¿Cómo lo hacemos? Llegamos a una conclusión y diseñamos un plan en donde cada uno de pronto se encontraba ante la oportunidad de estar en un banco y entonces ahí y en ese momento creábamos una pieza de arte, la que fuera, un gesto, una intervención efímera, tal vez movía una silla o modificaba algo en el entorno.  Al salir del banco le mandaba un mensaje a mi amigo: “Hay una pieza en tal banco”. Entonces sin decirle qué cosa era, él tenía que venir, buscarla y tomar una foto. Todo el tiempo desde que decidimos que iba a pasar eso, estaba sucediendo la pieza, esperábamos que sonara el teléfono y eso ya era la obra. A mí me llegaba un mensaje y yo iba corriendo al banco a buscar. Desde que llegaba al lugar ya existía la situación de arte, cualquier cosa que sucediera ahí, podría ser la pieza de arte, cualquier cosa. Entonces yo tomaba una foto a lo que pensaba que era y llegaba a donde estaba mi amigo y él a lo mejor me decía “no es”, pero no importaba, porque entonces se convertía aquello en la pieza. Ya la foto y el hecho de ver ese material creado era lo importante, crear una extensión material de ese momento.

¿Cuál es la intención al hacer este tipo de intervenciones?

Primero es no detener la fuerza creativa, en principio dejar que la creatividad se desfogue sin tener prejuicios. Discutir sobre como extendíamos la temporalidad de una obra nos interesó bastante, después de hacer estas piezas. Lo demás en relación a esa creación es pensar: ¿qué demonios hace el arte?, ¿necesita público el arte? Nosotros no necesitamos público. ¿Quién era el creador? Todos. Llegabas al banco esperando encontrar una pieza creada pero en realidad te estabas convirtiendo tú en el creador sin importar que alguien supiera que eso sucedía. El arte es como una grieta, uno piensa que la realidad está compuesta de cierto modo específico pero de pronto aparece algo por donde develas lo posible, por donde te puedes colar, esa posibilidad de algo más, la grieta en la realidad donde puede ser explorado plenamente el mundo, la vida.

¿Cuál es tu opinión sobre el aprendizaje dentro de la academia?

La academia es una herramienta más, es un legitimador y creo que entre menos la utilicemos puede ser mejor. Ser autodidacta en sí es una escuela en la que no tienes reglas fijas y en donde puedes utilizar incluso la ignorancia como una herramienta. Por ejemplo puedes acercarte a hacer esculturas olvidando, como técnica, lo que se supone debe ser la escultura y llegar a otras posibilidades que jamás te hubieran pasado por la cabeza dentro de la academia. En cambio la escuela es una línea, es un camino en el que más o menos tienes todo dado y delimitado.

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Contacto Quanax

Presentación del disco Contacto Quanax en el Teatro Principal de la Dirección de Extensión Cultural de la Universidad de Guanajuato. El 9 de septiembre de 2013. En Guanajuato Capital existe una escena importante de electroacústica y el ejemplo son los compositores de este documento.

Contacto Quanax es el proyecto de 11 artistas miembros del Laboratorio de Informática Musical reunidos para dejar constancia de la música electroacústica que hoy se hace en Guanajuato. El disco surge como proyecto del cuerpo de Musicología  de la Universidad de Guanajuato.

La polémica que se ha generado alrededor del laboratorio ha dado lugar a un ambiente electro acústico único en donde cada uno muestra su propia personalidad, estilo, necedades y obsesiones, sin seguir pautas, nadie sigue al maestro, todas son posiciones estéticas diferentes que conviven en una presentación plural.

Piezas de audio y video creadas en vivo bajo un soporte físico.  Contacto Quanax representa 20 años del Laboratorio (en 1994 ya poseían una de las primeras computadoras NEXT del país). Este proyecto es un registro cultural disponible en la red.

Contacto Quanax está formado por Víctor Manuel Rivas-Dávalos, Edgar Barroso, Ricardo Durán, Marcos Bringas, Paúl León, Héctor Carranco, Emmanuel Ontiveros, Francisco González Compeán, Adalberto Tovar, Mauricio Valdés San Emeterio y Roberto Morales Manzanares. Créditos: Roberto Morales Manzanares, Producción Ejecutiva; Victrola Sonorousa, Coordinación; Antonio Russek, Masterización; Thomas Sánchez Lengeling, Coolaborador. El disco fue presentado en el Teatro Principal de la Ciudad de Guanajuato (Septiembre 2013) y en la Fonoteca Nacional en México, Distrito Federal (Noviembre 2013). Hardware: Kinect, Controles wii.

 

Tracklist:

    1. {Bidxiña} + (Glitch) (Radio Victrola Edit), Víctor Manuel Rivas-Dávalos
    2. ACU, Edgar Barroso
    3. Esfumato, Ricardo Durán
    4. Milky Way, Marcos Bringas
    5. Pésimo Arbitraje, Paúl León
    6. Otoño Osleño, Héctor Carranco
    7. Intertextualidad-es, Emmanuel Ontiveros feat. Thomas Sánchez Lengeling
    8. Piano Corno, Francisco González Compeán
    9. Membrana, Adalberto Tovar
    10. Autoretrato II, Mauricio Valdés San Emeterio
    11. Bonus Track, Roberto Morales Manzanares

Trailer oficial en este Post by Más que el ruido.

Rorschach 4.1

El 8 de Agosto de 2013 en el Lechón Ilustrado fue presentada una sesión de música experimental saturada de visuales con formas tan caprichosas como los títulos de las piezas producidas por los ordenadores de 5 artistas electroacústicos originarios de Guanajuato ellos son Rorschach_4.1.

Rorschach está integrado por Thomas Sánchez Lengeling quien es programador y artista visual, Paúl León Morales, compositor por formación, artista sonoro por deformación y DJ por accidente. Emmanuel Ontiveros, artista sonoro, Ricardo Duran, compositor  y el invitado de esta sesión Andrés Gutiérrez Martínez compositor de música instrumental y electrónica.

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D. ¿Cómo y cuándo surge Rorschach?

Emmanuel Ontiveros: En 2007, en un seminario que tomamos por parte de la escuela de Música, el cual fue impartido en la facultad de Matemáticas de la Universidad de Guanajuato por el maestro Roberto Morales. Nos juntamos con Benjamín y Jaime, otros miembros fundadores, pues teníamos que hacer un proyecto para la clase, resultó muy bien y quisimos seguir trabajando en esto.

D. ¿Porqué el nombre Rorschach?

Paúl León Morales:  El proyecto que tenemos le da la vuelta a lo concreto, no hay nada  específico, no hay monos, no hay personajes, no hay historias, es demasiado abstracto; por decirlo de una forma muy simplista. No buscamos programar al público para nada, los títulos no significan nada, los visuales no tienen ninguna carga semántica, tampoco los sonidos; entonces el nombre de la agrupación es como decirle al público ¿usted que ve y escucha aquí?, y que cada quien por identificación proyectiva interprete las piezas libremente.

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D.¿En qué géneros incursionan?

Emmanuel Ontiveros: Los medios que usamos son tanto electrónicos, acústicos y electroacústicos y podríamos clasificarnos como Experimental.

Thomas Sánchez Lengeling: Los visuales son arte generativo por que se van creando en el momento. Conforme pasa el tiempo se van modificando dependiendo de algunos parámetros como el sonido, pues se está analizando y conforme a ellos va cambiando el sistema del visual.

D. Sus influencias:

Ricardo Duran: Pues hay bastantes, desde la música culta y electroacústica hasta la música popular.

D. ¿Cómo te integraste a esta sesión Andrés?

Andrés Gutiérrez Martínez: Yo conocí a Emmanuel y a Paúl en la escuela de música y aunque no radico en Guanajuato aun sigue el contacto y ellos me invitaron a la presentación de hoy.

D. ¿Cómo ven la escena del arte digital?

Andrés Gutiérrez Martínez: Pues hay un bum creo, soy de Guanajuato pero no radico ahorita aquí y veo como es fuerte el interés y existe una curiosidad muy grande por la informática aplicada a medios audiovisuales.

Paúl León Morales: Quiero acotar que somos como una de las primeras camadas de una escuela vieja, la del maestro Roberto Morales quien está entre los pioneros en electroacústica a nivel nacional o por lo menos entre los más representativos. Nosotros somos de entre sus alumnos, no la primera camada pero si la mejor lograda, aunque evidentemente tenemos muchos colegas a quienes también les hemos aprendido mucho. Como mencionó Andrés, si hay un bum ahorita pero Roberto hacia esto en los setentas y ochentas; nosotros aunque llevamos como agrupación desde el 2007 individualmente tenemos 10 años haciendo electroacústica. Nuestro esfuerzo ha sido independiente, existe un vínculo institucional con la universidad por haber estudiado ahí pero el funcionamiento de nuestra agrupación es totalmente independiente.

Emmanuel Ontiveros: Si bien iniciamos en la UG y nos conocimos ahí, todo lo que Rorschach ha hecho ha sido totalmente independiente. Cuando iniciamos, los primeros conciertos fueron en el CIMAT (Centro de investigaciones Matemáticas) por la clase que les mencionamos y estuvimos los últimos años de la carrera juntos. Al salir seguimos como grupo, siempre realizando un trabajo con nuestros propios recursos, organizando conciertos, consiguiendo el equipo, hablando a invitados, componiendo, programando, creo que es importante resaltar esto, pues es difícil, vaya, y más en una ciudad pequeña donde las cosas que pasan las tienes que hacer con tus manos y con tus recursos, de no ser con la Universidad o con el Instituto de Cultura, lamentablemente no hemos tenido tanta colaboración, así que la manera de gestionar de Rorschach_4.1 siempre ha sido independiente.

D. Sobre la parte técnica, nos podrían platicar ¿cómo funciona?, ¿qué programas o software utilizan?

Thomas Sánchez Lengeling: En los visuales yo utilizo Processing que es un lenguaje de programación basado en Java, los visuales los programo independientemente; tengo muchas programaciones que hacen diferentes cosas en la proyección y cada uno cambia diferentes cosas de las que están pasando. El código se va modificando por si solo a través del análisis sonoro hecho por cada uno de los integrantes y con esos parámetros se modifica el visual.

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D. ¿Qué tan importante es para ustedes estar en tiempo real modificando el audio y video?

Emmanuel Ontiveros: Para mí es muy divertido. Abundando en lo que dice Thomas sobre cómo funciona esto, todos para hacer sonido trabajamos con software diferente como Pure Data y Super Collider y la interacción se da al menos entre Thomas y yo por medio de intercambio de mensajes OSC (Open Sound Control). Quiero resaltar el trabajo de Thomas y Benjamín Lengeling quien no estuvo en esta sesión, los dos son programadores magníficos, cualquier problema de programación lo resuelven muy bien. Ellos desarrollaron un detector en Super Collider que manifiesta frecuencias, alturas amplitudes y algunos otros parámetros; entonces yo lo abro en mi computadora y por medio de Ethernet les mando mensajes OSC y ellos lo reinterpretan visualmente, técnicamente es así como funciona. Esto para nosotros es súper divertido, el hecho de pensar en un sonido y hacer ¡aahhh! y que esto se vea en el visual, eso es muy divertido. Gracias a eso hemos logrado otras colaboraciones.

D. ¿Dónde se visualizan en el futuro?

Emmanuel Ontiveros: Pues primero vamos a ir al Bar Golem, luego a la Dama y terminar en el Aquí me quedo, yo creo. (Risas)

Thomas Sánchez Lengeling: Pues vamos a tocar en Monterrey en el Mediarte en un mes y próximamente también en DF en un par de meses aunque estamos por confirmar.

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D. Algún mensaje para los entusiastas del arte post digital.

Paúl León Morales: Que lo peor que pueden hacer es no hacer nada, aunque tengas una compu no tan prendida, empieza a programar, generar visuales y a hacer ruido o lo que sea, pues si te esperas a tener una súper computadora y la mejor cámara del mundo se te va a ir la vida y no harás nada.

Thomas Sánchez Lengeling: Usen software libre.

Emmanuel Ontiveros: En verdad eso es muy interesante, ahorita la tecnología está muy próxima a nosotros, ni siquiera es cara, puedes acceder a cosas como Processing, C++, Super Collider o Pure Data que es software libre, ya no tienes que vender tu alma al diablo para conseguirlo, claro la computadora te va a costar, pero el software ya está, solo hay que trabajar.

Ricardo Duran: Hay bastantes tutoriales en la red en los cuales pueden basarse sin claudicar, el error es un principio de todo.

Andrés Gutiérrez Martínez: Mantengan los sentidos bien alertas.

 

Rorschach ha participado en Festivales como: Festival Internacional Callejón del Ruido Fénix (2009 y 2010), Plataforma Transónica (2010), InSonora (2010), Foro Prisma (2008), Festival Internacional de las Artes de Tehuacán, Puebla (2008), Festival Internacional Cervantino (2010 y 2011), Festival de Artes Electrónicas y Video Transitio_mx 04 (2011), Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea (CEPROMUSIC), Live Performers Meeting (Roma), entre otros. Asi mismo, realizan conciertos en los que interactúan con invitados especiales entre los que destacan prestigiados artistas, músicos, videoastas, programadores, matemáticos y compositores tales como: Rogelio Sosa, Roberto Morales, Victor Rivas Dávalos, Ensamble CEPROMUSIC, Ricardo de Armas, Omar Ernesto Guzmán Fraire, Chhoti Maa, por mencionar algunos. Igualmente realizan conciertos didácticos en escuelas secundarias, preparatorias y universidades así como cursos de programación en SuperCollider y Processing con la finalidad de difundir el arte sonoro y el uso de la tecnología aplicada a las artes.

 FICHA-TECNICA

 

Hackeo Electromagnético 8×8Ω/1bit. Sesión Sonora de Arcángel Constantini

Arcángel Constantini,  pionero en México en el uso de medios digitales y análogos electrónicos, creó un ambiente de Noise y Arte Sonoro en Guanajuato Capital  con su Sesión Sonora  de hackeo electromagnético 8 X 8 Ω / 1 bit, la cual disfrutamos el Sábado 6 de Julio del 2013 en el Lechón Ilustrado.

Nacido en la Ciudad de México, su obra ha logrado trascender fronteras para ser reconocida en numerosos eventos internacionales; es promotor y colaborador en muchas de las iniciativas del arte digital nacional. Sus esfuerzos han ayudado a colocar la creación digital mexicana en el Museo de Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, la Fonoteca Nacional, El Laboratorio de Arte Alameda de la INBA  y  colectivos como el “No-such.org”, “Volta” y NET ART.

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Arcangel Constantini y Ana Montiel

Ana Montiel fundadora del Proyecto Antipasto y organizadora de ésta Sesión Sonora presentó a Constantini, quien nos habló sobre las teorías físicas del electromagnetismo detrás de su trabajo. Arcángel logró proyectar éste conocimiento en una pieza auditiva que explora el género Noise de la música experimental. Es muy interesante la labor de investigación que Arcangel Constantini desarrolló para crear esta pieza, que como otras de sus obras, contiene aspectos retro futuristas pues evocan el inicio de la era de los microprocesadores. 

Entrevista. 

DigitArt. ¿De qué trata la sesión sonora?

Arcángel Constantini. Ésta sesión sonora se llama 8 por 8 Ohm Ω  sobre 1 bit y es una pieza de hackeo electromagnético. Utilizo 8 bobinas con micro controladores programados a un bit. Un bit es un valor binario de 1 ó 0 que en éste caso se traduce a un valor de voltaje alto o bajo que varía entre  0 ó 5 volts.  Mi programa hace interrupciones a distintas frecuencias de esos valores. Con éstos, comienzo a construir distintos aspectos de sonidos.

D. ¿Cómo funciona?

A.C. La plataforma funciona así: El voltaje llega a la bobina y debido a la carga de electrones que tienen al moverse, se genera un campo electromagnético (Teoría de Faraday) que forma un toroide, el cual a su vez se expande para generar un ruido electromagnético.

Todos estamos rodeados de campos electromagnéticos.  Nosotros como sociedad hemos estado construyendo nuevos campos electromagnéticos que no estaban presentes en la naturaleza, como el de la luz eléctrica que genera un campo de 60hz. cuando toda esa energía viaja por dos cables.  Son invisibles pero no imperceptibles porque a veces los llegamos a oír, como el caso del famoso hum.

Empleo estas teorías y las aplico a estos brazos que tienen otras bobinas en la punta con devanado mucho más fino y más vueltas.  La plataforma funciona por inducción electromagnética, que es cuando pasas electromagnetismo de una bobina a otra  creando un campo eléctrico. Yo tomo esos electrones y los mando al mixer con valores ya procesados; los sonidos dependen de la altura de los brazos y con el giro de esta plataforma  empiezo con a construir secuencias sonoras.

Hackeo electromagnético

Sesión Sonora 8×8Ω/1bit.

D. Platícanos más sobre el género de la sesión sonora.

A.C. Es música experimental porque explora los procesos del electromagnetismo y tiene su  base en ideas conceptuales que se interpretan en un cierto tipo de actividad del campo experimental de la música. Trato de hacer presente de manera visible o  sonora estos flujos de energía.

D. ¿Qué ideas son las que transmites en la sesión sonora?

A.C. He estado investigando el proceso de transformación de la energía y su flujo.  Comenzando desde las ideas de la física clásica hasta la física cuántica, de los aspectos de las filosofías místicas de oriente y de nuestro continente.  Trato de hacer presente de manera visible o  sonora estos flujos de energía.

Hackeo electromagnético

Sesión Sonora 8×8Ω/1bit.

D. ¿Cuál crees que es la escena del arte sonoro electrónico en México?

A.C. En México se ha estado forjando desde hace 15 años o más la escena del arte sonoro pero últimamente se ha hecho más activa y continua gracias a distintos gestores que la llevan a varios lugares como el museo Tamayo, la Fonoteca Nacional; algunas galerías como el Laboratorio de Arte Alameda o El Cuarto. Están otros proyectos como Volta, Expresa, festivales y cosas más independientes en dónde ya hay una buena escucha. Falta más de ésta parte experimental porque han traído mucho de la electrónica experimental pop pero hace falta llenar algunos recovecos del noise; por ejemplo.

D.  ¿Cómo se logró el contacto con el proyecto Antipasto?

A.C. Conozco a Ana desde hace un tiempo y estoy pendiente de sus actividades en Transónica.  Yo vine a dar unas pláticas a Salamanca  por un proyecto de CONACULTA  sobre Retribución Social y después di una conferencia en Irapuato, más una plática en la Universidad de Guanajuato en Salamanca y quisimos aprovechar la ocasión para organizar algo en Guanajuato.

Hackeo electromagnético

Hackeo electromagnético

D. ¿Utilizas algún código o software en la creación de la sesión sonora?

A.C. 8 X 8 Ω / 1 bit  utiliza microcontroladores aTtiny 85 que se programan en C desde una computadora. Cuando se instalan en el microcontrolador estos programas generan los procesos binarios de sonido de 1 bit, 1 y 0, que equivale a 3.3 volts y 0 volts que es lo que genera el sonido. Estos procesos surgieron de un taller que tome con Tristian Perich.

D. Gracias Arcángel Constantini.

A.C. Gracias a ustedes.

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